¡¡Feliz cumpleaños, Juan Manuel!!
Hoy cumple 72 años un gran fotógrafo murciano, el cartagenero Juan Manuel Díaz Burgos.

Juan Manuel nació en Cartagena (Murcia) el 8 de noviembre de 1951.
Realizó estudios de Maestro Industrial y fue profesor técnico en el Instituto Politécnico de Cartagena. De formación autodidacta en fotografía, inicia en 1979 como profesor las clases de esta especialidad en la Universidad Popular de Cartagena.

A pesar de mostrar interés por la fotografía desde su infancia, no realizó su primera toma de contacto con este medio hasta los 24 años. El artista es un enamorado de Latinoamérica y ha viajado por países como República Dominicana, Perú, Jamaica, México, Costa Rica o Panamá, entre otros. Aunque, sin duda alguna, Cuba y Santo Domingo (República Dominicana) han sido lugares clave en su relación con América Latina, lugares donde ha recogido imágenes cargadas de realismo y en las que simplemente busca la fuerza de las gentes.

Autor con una clara vocación por la fotografía humanista, documental y de ensayo. Ha participado en más de cien exposiciones  individuales y en más de ciento ochenta colectivas.
Sus obras se han expuesto, entre otros países, en Francia, Argentina, EEUU, Japón, Cuba, Alemania y la República Dominicana.
Salas y museos como la Galería IVAM, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, The Meadows Museum of of Arts de Dallas (Texas, EEUU), la Gray Gallery de Greenville (Carolina del Norte), La Fábrica (Madrid), el Forum for Photography de Colonia (Alemania), la Galería VHS de Stuttgart(Alemania), la Casa de las Américas de Madrid, La Habana, etc., han sido igualmente testigos de la prolífica obra de Díaz Burgos. 

Su obra se ha publicado en revistas y libros especializados de México, EE.UU., Francia, Alemania, Argentina, etc.
Sus fotos se encuentran en múltiples colecciones nacionales e internacionales como el Museum Marugame Irai de Japón, la Fundación Heide Santamaría en La Habana, el Centro Niemeyer etc.
Ha impartido multitud de talleres en España, República Dominicana, México, Panamá y Cuba.

Una de sus exposiciones, la denominada "DIOS IBEROAMERICANO" consistió según palabras del Juan Manuel: “en la confrontación de dos imágenes de temática religiosa. Una hecha en España, la otra, en alguno de los países hispanoamericanos que he visitado. La similitud o, en su defecto,  la interrelación de ambas es un estudio antropológico de nuestras culturas, sin olvidar lo principal, la FOTOGRAFÍA”.

Bercianos de Aliste (Zamora). 2011

Caravaca (Murcia)

Cartagena (Murcia). 2017

Tuxtla Gutiérrez (México). 2011

Ha participado en el positivado de la obra del fotógrafo peruano Martín Chambi, junto a Juan M. Castro Prieto en la ciudad de Cuzco (Perú) en 1990.
Ha sido comisario de la exposición antológica "Cuba 100 años de fotografía" y de “La Imagen Rescatada-Fotografía en la región de Murcia”.
Asimismo, ha investigado y comisariado la obra del fotógrafo austriaco Klaus Schnitcher “Conrado” en República Dominicana.

Le han concedido diferentes premios, como:
Premio “Bartolomé Ros” Photoespaña 2017 a la mejor trayectoria fotográfica española por  "su constancia, independencia, empatía y compromiso con realidades próximas y lejanas, en España y Latinoamérica, construyendo historias en torno a las pasiones que caracterizan al ser humano".
Premio “Piedad Isla” de 2018 a la mejor trayectoria fotográfica española.
Premio Internacional de fotografía Olorum. Otorgado por el Fondo de la Imagen Iberoamericana en Cuba.

Julia Chambi

Manuela.

Es autor de más de quince libros temáticos y de ensayo fotográfico. En el año 2.000, a iniciativa propia, presenta las bases para la creación del  Centro Histórico Fotográfico de la Región de Murcia (CEHIFORM), que fue creado en septiembre del 2.001 y dirigido por él hasta mediados de 2007.

El anuncio de su destitución por parte de la Consejería de Cultura de la CARM sorprendió al mismo Juan Manuel que tuvo que abandonar su despacho sin conocer las razones de su destitución.
Lo explicaba así: «Vine de hacer dos talleres en México y cuando llegué a Barajas me llamaron para comunicarme que entregara las llaves. Nada más. He solicitado una reunión con los responsables de mi cese para que me den las razones, pero no me han contestado. Tendré que leer los periódicos para saber la verdadera razón. Me voy contento porque empecé como director desde su creación y he conseguido grandes logros, y con eso me quedo».

Lonja de Cartagena.

Minero en su caseta. Sierra Minera Cartagena-La Unión. 1989

Fuentes: Wikipedia y Facebook 

Nota: El autor y propietario de las fotografías es Juan Manuel Díaz Burgos, por lo que la difusión y reproducción total y parcial de las mismas con ánimo de lucro está prohibida.

Hoy cumpliría 103 años un fotógrafo murciano que reflejó con sus imágenes la sociedad murciana de los años cuarenta.
Retratos de calle que nos transportan a una Murcia que se fue.

Glorieta de España

Barrio del Carmen

Parque de Ruiz Hidalgo. Río Segura

Entrada al Paseo del Malecón

Paseo del Malecón

Luis Argemí Hernández nació en Murcia el 19 de noviembre de 1920. Estudió Bachillerato y Comercio Mercantil.
A los 16 años lo llamaron a filas coincidiendo con el comienzo de la guerra civil.
A los 18 años falleció su padre Luis Argemí y Pey por la que tuvo que ayudar a su madre en el negocio familiar de la casa de comidas, tienda de ultramarinos y luego Bar El 42 en calle Frenería, hasta 1958, ese año fundó el famoso restaurante El Soto, junto al Malecón, en Murcia.

El 42

Puente de la Virgen de los Peligros

El pintor murciano José Antonio Molina Sánchez "El pintor de los ángeles"
 con sus tres hermanas y una amiga

Estudiantes en el Plano de San Francisco

El Tío Sentao

Plaza de abastos de Verónicas

Contrajo matrimonio con Dolores Campuzano Capel en 1945 y tuvo siete hijos.
Luis se volcó en la fotografía y tenía su propio “estudio artesanal de revelado”, un cuarto oscuro en la casa familiar.
Más tarde compró varias máquinas de fotos y las subarrendó a otras personas, para que continuaran lo que él comenzó, encargándose del revelado de las fotos.

Feria de Murcia

Procesión de Viernes Santo. 1945

Bando de la Huerta. 1945

Caseta de la Feria de Septiembre

Romería de la Virgen de la Fuensanta

Piscina del Murcia Parque

Equipo de fútbol del SEU (Sindicato Español Universitario)

Vuelta ciclista en la Plaza Circular 

Durante su vida compaginó la restauración con la fotografía y el cine amateur. Realizó miles de fotografías de todas las clases sociales, en muchos de los rincones de nuestra ciudad, los carretes de dichos negativos que se han podido recuperar son más de 3.500 y corresponden en su mayoría a los años comprendidos entre 1945 y 1948.

Autorretrato

Falleció en Murcia el 14 de junio de 1994.

Fuentes: Web Luis Argemí y Facebook
  

El 23 de noviembre de 1928 nacía Oriol Maspons, un fotógrafo que desempeñó un papel clave en la renovación del lenguaje fotográfico en la España de los años 50 y 60.
Formó parte de la llamada Gauche Divine de Barcelona y en 1954 viajó por primera vez a Ibiza captando como pocos la esencia que empezaba a intuirse en la isla.

Hippies en Ibiza

Mujeres de Ibiza. 1954

Autoestopistas. Ibiza, 1976

Oriol Maspons Casades nació siendo el pequeño de 4 hermanos en la calle Nueva de San Francisco de Barcelona, en el seno de una familia tradicional catalana.
Estudió en La Salle Condal y posteriormente realizó Peritaje Mercantil.

Hizo el servicio militar en Ceuta. A principios de los años 50, Oriol Maspons trabajaba en una agencia de seguros con sede en Barcelona a la vez que en su tiempo libre se dedicaba a su pasión, la fotografía.
Poco podía sospechar Maspons que, cuando su empresa le propuso trasladarse a París en 1955, su vida iba a dar un giro radical.
Vivió allí hasta 1957 y al tiempo que seguía desempeñando su trabajo, en la capital francesa Maspons empezó a frecuentar los ambientes fotográficos de la época.
Como corresponsal de la revista Arte Fotográfico tuvo la oportunidad de entrevistar a los más grandes del momento: Brassai, Cartier-Bresson, Doisneau o Bourdin.
Tres años más tarde regresó a Barcelona y ya decidió dedicarse plenamente a la fotografía.

Pareja de guardiaciviles. Cadaqués, 1952

La chispa de la vida en Cadaqués. 1962

Turistas inglesas en la Costa Brava. Calella, 1959

Las Hurdes. Cáceres, 1960

Las Hurdes. Cáceres, 1960

Las Hurdes. Cáceres, 1960

Niños en la Barceloneta. 1958

La globalización. La Mancha, 1961

La Mancha, 1961

Gitanillos. 1956

La gitana y los Santos, 1957
Esta obra se presentó en la exposición de París

Montjuic, Barcelona. 1958

Somorrostro, Barcelona. 1958

Puertollano, Ciudad Real. 1963

A su retorno a Barcelona, en 1957, decidió profesionalizarse y formar sociedad con Julio  Ubiña, integrándose en la llamada Gauche Divine, un grupo de jóvenes intelectuales y artistas, modelos, cineastas, escritores y arquitectos, que a finales de la década de 1960 se rebelaron en Barcelona contra la cultura oficial franquista. Delante de su cámara pusieron a sus principales protagonistas y retrató sus escenarios.

A raíz del lanzamiento de la editorial Tusquets en el Price de Barcelona, antigua sala de boxeo, Joan de Sagarra escribió un artículo a Tele/eXprés en octubre de 1967 en el que acuñó el término de Gauche Divine para referirse a los editores, escritores, poetas, dibujantes, diseñadores, arquitectos, actores y actrices, empresarios, guionistas y directores de cine, modelos y fotógrafos que asistieron al acto y que constituían un grupo heterogéneo, caracterizado por su actitud provocadora, cosmopolita y antifranquista.

Se trataba de una élite cultural que compartía un proyecto de renovación estética en ámbitos diversos, pero sin asumir un compromiso político o social real.
Amigos que frecuentaban determinados locales: desde las reuniones en el restaurante Casa Mariona del Raval, a finales de los cincuenta, pasando por los encuentros en los bares de Tuset Street (así nombró Maspons la calle Tuset) y, finalmente, hasta en Bocaccio, una sala de fiestas inaugurada en 1967.

Irma

Elsa Peretti, 1966

Modelos para el cómic Bat Man:
 Irma de Holanda, Anita de Suecia, Susi de Finlandia,
Elsa de Italia y Susan de Dinamarca. 1967

Barbara Sorocco. 1961

Colette en el Liceu. 1961

Germaine Blondel, 1958

Juliette Mayniel. 1960

Margit Kocsis con su hermana

Monique Koller

Moda Tuset Street. 1963

París, 1956

En 1956 entró a formar parte del consejo editorial de la revista AFAL aunque ya era conocido por su actividad en la Agrupación Fotográfica de Cataluña y por haber publicado fotos en Arte Fotográfico y con motivo de la obtención de varios premios en concursos.
En el número 61 de la revista Arte Fotográfico de 1957, en su artículo "Salonismo" criticaba duramente la fotografía que se practicaba en las agrupaciones fotográficas, de índole pictorialista, ya fuera moderna o conservadora, que se hacía con el único objetivo de conseguir galardones en los salones fotográficos a cuyos jurados conservadores había que contentar con una serie de recetas formalistas. ​

Su fotografía de reportaje estaba asociada al estilo del desarrollado por los fotógrafos de la Agencia Magnum y se ​especializó en reportajes, retratos, moda y publicidad.
Trabajó para prestigiosos medios como La Gaceta Ilustrada, L’Oeil, Paris-Match, Expression o Elle, entre otros, y publicó un buen número de libros.

Realizó reportajes en diferentes países como Cuba y Sudáfrica. ​ Fue un autor con una sensibilidad especial para el retrato, entre los que destacan los retratos a mujeres que reunió en el libro Oriol Maspons: Private Collection.

El Navajita. 1958

Fotografía realizada para la portada del libro
Últimas tardes con Teresa
de Juan Marsé:

Salvador Dalí. Cadaqués, 1962

Los Beatles llegan a Barcelona. 1965

Fotografía para el disco
Al vent de Raimon

La Chunga. 1958

Realizó numerosas exposiciones y algunas de sus fotos están expuestas en el MoMA, y en el MNAC (Museo Nacional de Arte de Cataluña) existen más de 1500 fotografías suyas.
Además fue maestro de Isabel Steva Hernández, más conocida como Colita y de otros significados fotógrafos.

Llevó a cabo la ilustración de portadas de libros y discos durante las décadas 1970 y 1980.
En las exposiciones sobre su obra se ha visto desde la España profunda, como los barrios gitanos o la comarca deprimida de Las Hurdes, pasando por decenas de retratos de personalidades que realizó en su estudio barcelonés de Gràcia, la imagen de Dalí con las musas o la serie de Toreo de Salón, hasta la Ibiza hippy de los 70.
En sus fotografías aparecen también amigos como Alexandre Cirici, Tapies, Serrat, Raimon, Carles Santos, Xavier Corberó, el bailarín Antonio, La Chunga, Vicente Escudero, Tete Montoliú, Lou Bennet, Cesc o Dalí.

Autorretrato Maspons y Colita. 1960

En 2006 recibió la Creu de Sant Jordi.
Falleció el 12 de agosto de 2013 a los 84 años. ​

Fuentes:Facebook y Wikipedia

Tal día como hoy, 29 de noviembre, nació hace 93 años, en Sudáfrica, David Goldblatt, considerado por muchos como “el padre de la fotografía sudafricana” y gran influencia para las nuevas generaciones. Conocido por su personal interpretación de Sudáfrica durante el período del apartheid.

Lo que diferencia la obra de Goldblatt de la de otros artistas anti-apartheid es que fotografió temas que iban más allá de los acontecimientos violentos del apartheid y reflejaban las condiciones que condujeron a ellos.
Sus formas de protesta tienen una sutileza de la que pueden carecer las fotografías documentales tradicionales: "Mi desapasionado trabajo era una actitud en la que intentaba evitar juicios fáciles... Esto dio como resultado fotografías que parecían desconectadas y apolíticas, pero que en realidad pretendían todo lo contrario", decía Goldblatt.

Jóvenes con el Dompass, White City, Jabaju, Soweto. 1972

Lawrence Matjee tras su detención por la Policía de Seguridad.
Khotso House, Villiers Street. 1985

Viajeros en la estación de autobuses de PUTCO
Marabastad, Pretoria. 1984

Nurse, Joubert Park, Johannesburgo. 1975

Goldblatt nació en Randfontein, provincia de Gauteng y era el menor de los tres hijos de Eli y Olga Goldblatt.
Sus abuelos llegaron a Sudáfrica procedentes de Lituania alrededor de 1893, huyendo de la persecución de los judíos que allí se estaba produciendo.
El padre de Goldblatt tenía una tienda de ropa y su madre trabajaba como mecanógrafa para una empresa textil.
Goldblatt asistió a la escuela secundaria Krugersdorp y se graduó en comercio por la Universidad de Witwatersrand.

Comenzó a fotografiar cuando era un adolescente. Obtuvo su primera cámara, una Contax alemana dañada, comprándosela a su hermano que la trajo a casa tras servir en la Segunda Guerra Mundial.
Creció con la omnipresencia de las minas de su zona y con los paisajes y sonidos que le devolvían: su aspecto duro y áspero, la música que cantaban los trabajadores.
Sudáfrica era un lugar donde la población negra construía los cimientos del país, donde la minoría blanca era propietaria, legisladora y explotadora.
Las minas como temática volverían más tarde a su trabajo, cuando la fotografía ya era su profesión e incluso lo llevó a colaborar con la escritora y ganadora del Nobel Nadine Gordimer.
Aunque sus primeras fotografías no fueron innovadoras, comenzó a trabajar para un fotógrafo de bodas: "Me colgaba varias cámaras alrededor del cuello para que pareciera muy profesional, y mi trabajo era asegurarme de que ningún invitado con una buena cámara obtuviera una buena fotografía. Tenía que chocar o caminar delante de ellos en el momento crítico para que mi jefe fuera la única persona que terminara con buenas fotografías”.

Cuando, en 1948, el Partido Nacional entró en el poder e implantó las bases de lo que sería el apartheid, él aún no había cumplido 18 años. Era autodidacta y aprendía gracias a un libro del fotógrafo norteamericano Ansel Adams.
La mayoría de dirigentes de ese partido también habían servido en la guerra, combatiendo contra Hitler y el nacionalsocialismo, pero eran extremadamente racistas y, aún más sorprendente, también antisemitas. Esta circunstancia dificultó el trabajo de David en sus inicios.
Un par de años más tarde, en 1963, a medida que desarrolló sus habilidades, vendió la tienda de ropa que había adquirido tras la muerte de su padre en 1962 y se convirtió en fotógrafo a tiempo completo.

David Goldblatt es un fotógrafo esencial, sin el que no sería posible comprender totalmente la época del apartheid. Utilizó el privilegio legal que era la libertad de movimiento para tomar instantáneas de los dos mundos, el blanco y el negro, en los que estaba dividida la sociedad sudafricana.
A lo largo de sus años como fotógrafo, Goldblatt nunca se vio a sí mismo como un artista y se sentía incómodo que lo vieran como tal. Muchos coinciden en que fue más documentalista que artista.
Tenía un enfoque innovador de la fotografía documental. Se dedicó a fotografiar las cuestiones que iban más allá de los acontecimientos del apartheid y documentó las condiciones que condujeron a ellos.
Goldblatt asistía a las inauguraciones de exposiciones, pero en secreto odiaba la atención que le prestaban. Se libró de la etiqueta de artista llamándose simplemente fotógrafo. Dijo: "Soy un autoproclamado observador y crítico de la sociedad en la que nací, con una tendencia a reconocer lo que se pasa por alto o no se ve".

La fotografía de Goldblatt no tenía obviamente una carga política. Afirmó que no era un activista, a diferencia de la mayoría de sus amigos y otros fotógrafos de esa época y, en lugar de producir fotografías que pudieran "intentar emitir un juicio", Goldblatt optó por "mostrar la complejidad de una situación".
Las representaciones de lo cotidiano son frecuentes en la obra de Goldblatt. Optó por no fotografiar la violencia explícita de la Sudáfrica del apartheid, sino que prefirió documentar la violencia que se manifestaba en la vida cotidiana: "Evito la violencia. Y no sabría cómo manejarla si fuera un fotógrafo en un entorno violento".

Durante el apartheid documentó los insoportablemente largos e incómodos viajes en autobús dos veces al día de los trabajadores negros que vivían en las "patrias" segregadas al noreste de Pretoria.
Las condiciones para los trabajadores no habían cambiado mucho en 2007: "La mayoría de las personas que viven allí todavía tienen que viajar a Pretoria por carretera. Sigue siendo un viaje muy largo para ellos cada día: de dos a ocho horas... Se necesitarán generaciones para deshacer las consecuencias del apartheid".

En la década de 1970, Goldblatt documentó una de las muchas injusticias del gobierno sudafricano del apartheid en una serie de fotografías de casas, tiendas y otros tipos de arquitectura en Pageview, un suburbio de Johannesburgo.

En la obra que Goldblatt creó durante el apartheid nunca fotografió en color. Goldblatt observó que "el uso del color durante el apartheid habría sido inapropiado, habría realzado lo bello y lo personal, mientras que las fotografías en blanco y negro documentarían más efectivamente las dramáticas contradicciones externas que definieron este período anterior".
En la década de 1990 comenzó a trabajar en color, adaptándose en cierto sentido a la era digital . "La incursión en el color me ha parecido bastante emocionante... en gran parte porque la nueva tecnología me ha permitido trabajar con el color en la computadora como lo hacía con el blanco y negro en el cuarto oscuro".

Después de fundar el Market PhotoWorkshop en Johannesburgo en 1989, Goldblatt no apartó a ningún fotógrafo, ya sea famoso o en apuros, de su puerta. Siempre fue accesible para todos sin importar quien, incluso en su vida posterior.
Ligado a la Goodman Gallery, fue el primer fotógrafo sudafricano en exponer individualmente en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York.

En 2001 recibió el título de doctor honorario en Artes por la Universidad de Ciudad del Cabo y en 2008 en Literatura por la Universidad del Witwatersrand de Johannesburgo. También ha recibido numerosos premios como el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad o el premio de la fundación Henri Cartier-Bresson.
Su obra se puede encontrar en las colecciones de diversas instituciones como la South African National Gallery de Ciudad del Cabo, la Biblioteca Nacional de Francia, el Museo de Victoria y Alberto de Londres o el Museo Nacional Danés de Fotografía.

Autorretrato

Goldblatt murió de cáncer el 25 de junio de 2018 en Johannesburgo, a la edad de 87 años, sin haber soltado la cámara. Sus lentes siguieron captando las contradicciones de la sociedad post-apartheid.

“Fotografié para mis compatriotas, para otros sudafricanos como yo, negros y blancos (…) con la esperanza de que, a partir de estas fotografías, se dieran cuenta de su propia locura».
David Goldblatt.

Fuente: Wikipedia

Hoy se cumplen 121 años del nacimiento de una pionera de la fotografía polaca: Zofia Chomętowska.
Perteneciente a la aristocrática familia de los príncipes Drucki-Lubecki, colaboró con el semanario Świat (El Mundo) de Varsovia.
Poco conocida internacionalmente, hoy se la asocia con fotografías de la Varsovia en ruinas tras la Segunda Guerra Mundial y con la vasta colección de imágenes de su Polesia natal.

Zofia Katarzyna Chomętowska nació el 8 de diciembre de 1902 en la Polesia polaca, fue la única hija de Bronisława (de soltera Buchowiecki) y Feliks Drucki-Lubecki.
Quería ser pintora y, como muchas chicas de familias aristocráticas, tomó lecciones de dibujo, pintura e historia del arte. Según algunos familiares, su abuela, Jadwiga Radziwiłł, se opuso a que continuara su carrera en este campo. A pesar de todo, Zofia consiguió su primera Kodak cuando tenía unos 10 años. Era un regalo muy de moda entre las clases pudientes de la época.

Casi desde el principio, Chomętowska fotografió mucho y de forma constante, sobre todo en la finca familiar de Parochońsk (actualmente en Bielorrusia).
Se graduó en la escuela secundaria francesa de San Petersburgo.
La siguiente cámara de Zofia fue una Leica, una cámara de pequeño formato que revolucionó la fotografía en aquel momento ya que permitía hacer una foto tras otra sin tener que cambiar la película cada vez que se pulsaba el obturador.
Se considera que el debut de Chomętowska fue en la Exposición Nacional General de Poznań en 1929 (aunque lo más probable es que allí presentara una película, no fotografías).
Una de sus fotografías fue publicada en “Leica” (una publicación colectiva polaca que alababa las ventajas de la cámara), siendo la única mujer incluida.

En 1919 se casó con Władysław Czechowicz-Lachowicki, noble polaco de los Ostoja. Tras la anulación de este matrimonio, volvió a casarse en 1929 con el noble Jakub Chomętowski, del clan Lis, del que se divorció en 1939.

Taller de reparación de bicicletas.

En la segunda mitad de los años 30, Chomętowska se mudó de su finca en Polesia a Varsovia y comenzó a ganarse la vida con la fotografía. Trabajó como fotógrafa para el Ministerio de Comunicación, dirigió su propio salón de fotografía y fue directora artística de la publicación mensual Kobiety w Pracy (Mujeres en el trabajo). 

A pesar de la creciente colección de fotografías de Varsovia y de los interiores de palacios, Zofia mostraba principalmente fotografías de Polesia tanto en exposiciones individuales como conjuntas (incluso con Jan Bułhak).

A finales de la años 30 ganó el concurso para convertirse en la fotógrafa oficial del Ministerio de Comunicación, trabajo que implicaba realizar fotografías con vistas a popularizar la belleza de la cultura y naturaleza polacas, que iban destinadas a los interiores de vagones de ferrocarril.
En 1937, fue aceptada como miembro del Fotoclub polaco. En los años 1938-1939 fue miembro del Fotoclub de Varsovia y fue miembro también de la Sociedad Polaca de Fotografía, llegando a ser elegida miembro del Consejo de dicha sociedad.
Sus fotografías fueron publicadas, entre otros, por el semanario Świat y sus fotografías se exhibieron en numerosas exposiciones en Polonia y en el extranjero.

Chomętowska pasó la ocupación y la liberación de Varsovia en la misma capital. Después del levantamiento, de camino al campo de Pruszków, se llevó cientos de negativos de la colección Polesia en lugar de comida.

El alcalde de Varsovia, Stefan Starzynski, como parte del proyecto “Warszawa wczoraj, dzis i jutro” (Varsovia ayer, hoy y mañana) que se presentó al finalizar la Segunda Guerra Mundial, le encargó una serie de fotografías sobre los elementos de la capital que necesitaban ser reformados, tales como las casas de madera del distrito de Wola, los almacenes o los depósitos de basura. ​

Junto con Tadeusz Przywkowski, fueron los dos fotógrafos con más obras expuestas en la exposición Varsovia Acusa (1945), la primera exposición fotográfica polaca de la posguerra presentada en el Museo Nacional de Varsovia y que más tarde fue expuesta en otras ciudades polacas y en el extranjero. Zofia viajó por Europa acompañando esta exposición.

En 1946, emigró al Reino Unido mientras las tropas soviéticas ocupaban su país y antes de la creación de la República Popular Polaca y contrajo un matrimonio de conveniencia con el aristócrata inglés Robin F. Barclay.
Más tarde permaneció algunos meses en Francia e Italia para, en 1948, trasladarse definitivamente a Argentina con sus hijos, su hermana, su sobrino y un coche Mercedes; aunque su mayor pasión fue siempre la fotografía, a Chomętowska le fascinaban los coches.
El Correo Fotográfico Sudamericano la incluyó en su lista de excelentes profesionales recién llegados.

Nunca abandonó la profesión, aunque su trabajo nunca fue tan prolífico como en Polonia. Para mantener a su familia, creó un estudio donde imprimía sobre plástico, vidrio y porcelana.
Si bien sus fotografías conservadas en archivos incluyen las de acontecimientos políticos oficiales, predominan las de su propia familia y las de inmigrantes vecinos. Entre otros, se encuentran los hijos de Róża Chłapowska, quien más tarde se casó con Karol Orłowski y se convirtió en una figura influyente en la comunidad polaca de Argentina.

Zofia donó los negativos del Levantamiento de Varsovia al Museo de Varsovia. Después de la guerra, el Museo recibió unos 5.000 negativos del período 1923-1939 y 1945-1947.

​En 1971 volvió a Varsovia de visita y murió en Buenos Aires el 20 de mayo de 1991 a los 88 años de edad.

Durante muchos años, el archivo fotográfico estuvo disperso y gran parte de él se desconocía. Algunos fueron sacados de la capital después del levantamiento de Varsovia, otros se quedaron en el sótano de una casa en la calle Mokotowska.
Años más tarde, la colección fue encontrada en Buenos Aires. Cuando la Fundación para la Arqueología de la Fotografía comenzó a trabajar en el análisis del archivo en 2008, resultó que la escala y el valor de la colección Polesia era mayor de lo que imaginaban.
Finalmente todos sus negativos han sido trasladados a Polonia.

Carlos Pérez Siquier nació en Almería el 14 de diciembre de 1930. Está considerado uno de los pioneros de la vanguardia fotográfica en España y Premio Nacional de Fotografía en 2003. Fue académico supernumerario de la Real Academia de Bellas Artes de Nuestra Señora de las Angustias de Granada.

Su padre, aficionado a la fotografía, tenía un pequeño taller en la buhardilla de casa, y allí descubrió Carlos la imagen revelándose sobre el papel.
En 1942 comienza sus estudios de bachillerato en el Colegio La Salle de Almería.
Con diecisiete años cae en sus manos un ejemplar de la revista  francesa “Cine-Photo Magazine”, editada por el grupo Les 30x40, donde una fotografía humanista comprometida con la realidad, auténtica y poética, le marca profundamente.
En 1950 finaliza sus estudios de fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Almería.
1955. Comienza a trabajar en la sede central del Banco de Santander de Almería, ocupación que se prolongará durante los siguientes treinta años.

Su obra personal se inició en la década de los 50, cuando realizó su primera serie fotográfica en el humilde barrio almeriense de La Chanca. Su mirada de interés antropológico registró las costumbres, paisajes y enseres de sus habitantes, reflejando la dignidad de la pobreza en un austero blanco y negro.

Entre 1956 y 1963 dirigió junto a José María Artero García la Agrupación Fotográfica Almeriense, cuya revista AFAL recogió la obra y las inquietudes de un grupo de jóvenes: Ramón Masats, Ricard Terré, Gabriel Cualladó, Francisco Ontañón, Xavier Miserachs, Paco Gómez, Alberto Schommer y Oriol Maspons.
Juntos constituyeron la vanguardia de ese momento y que se convertirían más adelante en grandes maestros de la fotografía española.
El contacto con ellos y con los nuevos valores se mantuvo a través de los cinco anuarios de Everfoto que entre 1973 y 1980 dirigió con Artero.
La aventura terminó en 1963 y comenzó para él una nueva etapa, cambió de formato y de registro, adoptando el color.

La Chanca. 1957:

Continuó con su trabajo de empleado bancario, pero por su firme decisión de permanecer en Almería lejos de los centros editoriales y de prensa se vio privado de seguir desarrollando su carrera en estos ámbitos y aceptó a partir de 1965, trabajar como agente libre para el Ministerio de Turismo de España.

Aprovechó estas incursiones por el litoral para realizar este trabajo y paralelamente registró las imágenes de su serie "La playa" que le volvió a situar en la primera fila de la innovación fotográfica veinte años después. Esta cáustica serie en color sobre las playas en los años setenta se adelanta con su modernidad a la vanguardia fotográfica europea.

Como escribiría Martin Parr en la exposición "Color antes del color" en 2007 de la Hasted Hunt Gallery de Nueva York con la participación de Pérez Siquier junto a otros cinco fotógrafos europeos: «La fotografía en color tuvo un temprano reconocimiento en Europa, pero como no había instituciones artísticas potentes ni exposiciones importantes, eran poco conocidas.»

La playa:

A partir de la exposición "Pérez Siquier", comisariada por Laura Terré para la Fundación La Caixa, con catálogo de Lunwerg y que recorre varias provincias, su actividad se volvió incesante.

En su siguiente serie a la que denomina "Color del Sur" aparecieron las características que hacen inconfundibles sus imágenes: color saturado, selección fragmentaria de la realidad, pocos elementos y relacionados por leyes compositivas, ironía, humor, surrealismo, juego con el sistema perceptivo humano... Como explícita en el título de una de sus exposiciones "Trampas para incautos".
Hay que destacar que el registro se hace sin ningún apoyo técnico -fotómetro, trípode o flash- solo el ojo y la mano del artista.

En 2003 consigue el Premio Nacional de fotografía que va acompañado de la Exposición y Catálogo en 2005: "Pérez Siquier-La Mirada". En el mismo año se le otorga la Medalla de Oro de Andalucía.
En 2005, la  Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía le concede el Premio "Pablo Ruiz Picasso" de Artes Plásticas.
En 2013 le conceden el Premio Bartolomé Ros​ "por su labor como dinamizador de la fotografía, a través del grupo AFAL y por su obra en color que abrió las puertas para la ampliación de las fronteras de la fotografía en los años sesenta y setenta”.

En el año 2015 dona al Museo Reina Sofía toda la documentación y archivos de AFAL y al año siguiente cede a  la Fundación de Arte Ibáñez- Cosentino la totalidad de su archivo y su gestión.
Ya en 2017 se inaugura el Centro Pérez Siquier en Olula del Río.
Carlos fallece en Almería el 13 de septiembre de 2021.

Fuente: Wikipedia, Centro Pérez Siquier y FotoGasteiz

Sus fotografías, intencionalmente poco realistas y a menudo cómicas, se crearon antes de la invención de programas como Photoshop y la aparición de la Inteligencia Artificial, pero sus técnicas de cuarto oscuro y su meticulosa impresión y retoque dificulta determinar cómo se crearon sus imágenes combinadas. 

En el Zoo. Manhattan, 1953

Alfred Gescheidt nació en Queens, Nueva York, el 19 de diciembre de 1926.
Su hermana mayor era la escritora Malvine Cole y su hermano mayor, el bailarín y coreógrafo Stuart Hodes.
Se graduó con honores en The High School of Music & Art en 1944 y fue becado por la Art Students League de Nueva York. Allí estudió con Will Barnet y Harry Sternberg antes de ser reclutado por la Marina estadounidense en 1945.

Después de completar el año requerido de servicio militar, Gescheidt se matriculó en la Universidad de Nuevo México, en Alburquerque, donde estudió con el pintor Raymond Jonson.
En 1949, decidido ya a convertirse en fotógrafo, se trasladó a Los Ángeles. Estudió fotografía comercial en el Art Center School con Will Connell y GeorgeHoyningen-Huene.

Gescheidt regresó a la ciudad de Nueva York en 1950 para trabajar como fotoperiodista independiente.
En el verano de 1951, Gescheidt realiza una exposición individual en el Village Camera Club.
Su obra apareció por primera vez en la revista Life en 1951, cuando ganó el cuarto premio en la división de relatos ilustrados en el concurso para jóvenes fotógrafos de la revista.
Los tres primeros puestos los consiguieron Dennis Stock, Elliot Erwitt y EstherBubley.
A partir de 1955 trabajó principalmente en publicidad y fotografía comercial, dejando de hacer fotoperiodismo a principios de los años 1960. 

Serie: Reflexiones sobre el mal humor en el Metro

Si bien gran parte del trabajo de Gescheidt consistió en encargos fotográficos para agencias de publicidad, al mismo tiempo continuó su enfoque personal en el cine documental y en la fotografía de calle, especialmente en su ciudad natal, Nueva York.
Trabaja de manera incesante en el cuarto oscuro creando gran cantidad de fotomontajes abstractos y humorísticos, combinando elementos de diferentes fotografías.
Su trabajo apareció en portadas de libros y discos, calendarios, carteles, tarjetas de felicitación y postales.
También en muchos periódicos y revistas, incluido Collier's, Cue, Esquire, Ladies Home Journal, Life, Look, Mademoiselle, ModernPhotography, The National Enquirer , Newsweek, Omni, Pageant, Parade, People, Popular Photography, Saturday Evening Post, The NewYork Times, This Week, …

 El magazine Oui incluyó durante varios años una sección titulada “El mundo de Gescheidt”.

En 1964 colaboró ​​con Frank Jacobs en el libro 30 maneras de dejar de fumar. Las imágenes de la serie muestran lo que se llamó "el surrealismo pop de Gescheidt". Las fotografías se exhibieron en la galería Higher Pictures de Nueva York en 2013.
Muchas de las imágenes de Gescheidt fueron postales publicadas en la década de 1980, en colaboración con American Postcard Co.

También realizó series de gatos para postales y calendarios y libros. Muchas de estas imágenes de gatos no eran fotomontajes, lo habitual en Gescheidt, sino fotografías en blanco y negro inéditas que había tomado a principios de los años cincuenta en Nueva York.

Gescheidt fue descrito por John Durniak, editor de imágenes del The New York Times, como "el Charlie Chaplin de la cámara".
Howard Chapnick lo definió como un practicante de la "fotografía surrealista" y, en este sentido, superando a Man Ray por su "ingenio, locura, barbaridad y humor".

Alfred se casó con Rae Russel (fotógrafa profesional y miembro de The Photo League) y tuvo dos hijos, Andrew y Jack.
Falleció en la ciudad de Nueva York el 22 de enero de 2012.

Fuente: Wikipedia.

Sirva esta conocida imagen de W. Eugene Smith para abrir esta última aportación del año 2023, puesto que él es uno de los fotógrafos que aparecen en ella.

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Para esta entrada presentaré diez fotografías de diez fotógrafos nacidos durante esta última semana del año.
Diez fotógrafos de épocas muy distintas y temáticas variadas.
Por supuesto, cualquiera de ellos se merecería una entrada monográfica de su trabajo pero,...será en años sucesivos.
El orden de estos diez artistas atiende al día de su nacimiento.

William Carter
Nació el 25-12-1934 en Los Ángeles, EEUU.

The Bowery. Nueva York, 1963

Hoy se cumplen 166 años del nacimiento del fotógrafo francés Paul François Arnold Cardon, conocido como Dornac.
Fue un fotógrafo de celebridades del momento (finales del XIX y principios del XX) en lugares insólitos: las casas y talleres de los protagonistas.

En las fotografías que ilustran esta entrada aparecen una pequeña parte de esas celebridades de la época. Pulsando en los nombres de los fotografiados se accede a la información de Wikipedia.

Paul Verlaine, poeta.

Se convierte en fotógrafo y comienza su actividad en la década de 1880 en unos estudios situados en el 63 de la rue des Saints-Pères.

Pero en 1887, a la edad de 29 años, Paul Cardon se cansó de hacer retratos en el estudio y entonces tuvo una original idea: realizar los retratos a sus clientes en sus propias casas.
Pero había un gran problema, en aquella época no se recibía en casa a cualquiera.
Así, no se sabe a qué personalidades convenció primero,  pero la idea resultó un acierto y no hubo celebridad parisina que no quisiera un retrato de Dornac.
La serie de más de 400 fotografías se llamó “Nos contemporains chez eux” (Nuestros contemporáneos en sus casas) y se realizó entre los años 1887 y 1917.

Paul Verlaine, poeta.

Gustave Eiffel, ingeniero civil e industrial.
Autor de la Torre Eiffel, el Viaducto de Garabit

y el Puente María Pía, entre tantas otras.

Sarah Bernhardt, actriz.

Charles Gounod, compositor.

Autor de la ópera Fausto y su famoso Ave María.

Émile Zola, escritor, novelista y periodista.
Autor, entre otras, de Nana, La bestia humana y Germinal.

Auguste Rodin, escultor.
Autor de El pensador y Los burgueses de Calais, entre tantas otras.

Auguste Rodin.

Pierre-Auguste Renoir, pintor impresionista.
Autor de El palco y Baile en el Moulin de la Galette.

Pierre-Auguste Renoir. 

Georges Clemenceau, primer ministro y jefe de gobierno de Francia.

Jane Dieulafoy, arqueóloga y exploradora.

Vestía de hombre (aunque estaba prohibido en Francia en aquella época)

gracias a una "permission de travestissement" del prefecto de policía.

Gabriel Fauré, compositor y pedagogo.

Henri Rousseau"El aduanero Rousseau", pintor naïf.
Autor, entre otras, de El sueño y La gitana dormida.

Henri Rousseau 

Jules Massenet, compositor del Romanticismo.
Autor de las óperas Don Quijote y El Cid.

Honoré Champion, librero y editor.

Fridtjof Nansen, explorador, científico y diplomático.
Premio Nobel de la Paz 1922.

Fridtjof Nansen 

Además de esta serie, continuó con su actividad retratista en otros estudios, como el de la calle Mickiewicz y el de la calle Gassendi, ambos en París.

Muchos de los retratos realizados por Dornac fueron reproducidos directamente o interpretados en grabados en madera en Le MondeIllustré entre 1890 y 1900.

Dornac murió el 10 de enero de 1941 en el 47 de la rue Saint-Jacques de París y fue enterrado en el cementerio del Père-Lachaise.

Pablo Sarasate, violinista, compositor y director de orquesta.

Fernand Samuel, director teatral.

Alphonse Daudet, escritor.
Autor de Tartarín de Tarascón.

Emmanuel Frémiet, escultor.
Autor de la estatua ecuestre de Juana de Arco en París.

Pierre Loti, escritor y oficial de la Marina.

Henry de Groux, pintor, grabador y escultor simbolista.

Marcelle Tinayre, escritora de literatura romántica.

Pierre Janet, psicólogo, neurólogo y filósofo. 

Léon Bloy, novelista y ensayista.

James McNeill Whistler, pintor simbolista e impresionista.

Léon Dierx, poeta parnasiano.

Paul Durand-Ruel, marchante de arte.

Joris-Karl Huysmans, escritor.

Émile Roux, médico, bacteriólogo e inmunólogo.

Jules Renard, escritor, poeta y crítico teatral.

Henri Fantin-Latour, pintor realista.

René Binet, arquitecto y decorador.

Julien Benda, filósofo y escritor.

Félix Ziem, pintor de la escuela de Barbizon.

Octave Mirbeau, escritor, periodista y crítico de arte.

Francis Jammes, poeta y novelista.

Paul César Helleu, pintor y grabador.

François Coppée, poeta y novelista.

Jacques Rouché, editor, productor cinematográfico y mecenas.

Stepháne Mallarmé, poeta, traductor y crítico

Edmond Rostand, escritor, poeta y ensayista.
Autor de Cyrano de Bergerac.

Francisque Sarcey, periodista y crítico literario.

Charles-Louis Philippe, poeta y novelista.

Eugène-Ernest Hillemacher, pintor de temas históricos.

Tal día como hoy, 9 de enero, nació la fotógrafa alemano-argentina Annemarie Heinrich, la mayor retratista del siglo XX en Argentina.

Annemarie nació en 1912 en Darmstadt, Alemania.
Su padre Walter Heinrich, era violinista profesional en la ópera de Berlín, siendo llamado para la guerra como soldado, donde recibió heridas que le impidieron volver a tocar el violín.
​Su familia emigró hacia Argentina en 1926, asentándose en la pequeña ciudad de Larroque, Provincia de Entre Ríos.
Allí aprendió fotografía de la mano de su tío Karel.
Cuando su familia se mudó a Villa Ballester, en el Gran Buenos Aires, Annemarie instaló un cuarto oscuro de fotografía en la casa.
Una vez allí, entra en contacto con el estudio fotográfico de Rita Branger, con quien aprende las tareas de laboratorio. Paralelamente continúa su aprendizaje con Melitta Lang y consolida su experiencia en el género del retrato.

Eva Duarte (Evita), 1944

En 1930 abrió su propio estudio y se convirtió en fotógrafa profesional. ​ A partir de esa década, junto con el gran desarrollo que en esa época tuvo la industria del cine y la radio, tomó fotografías a actrices y actores y a publicar las mismas en las revistas de espectáculo como: Sintonía, Radiolandia, El Hogar, entre otras.
Llegó a ser conocida como la inventora de un nuevo género en la Argentina: el "retrato de famosos".

Heinrich logró valiosos retratos de Eva Perón. Las fotografías que tomó Annemarie Heinrich fueron encargadas cuando Eva Duarte perfilaba su carrera de actriz radial y cinematográfica. Varias de las fotos que le hizo a Evita, volcadas intensamente a la promoción de ella como artista, fueron seleccionadas por los editores para ilustrar las tapas o notas y reportajes en las principales revistas de Buenos Aires dedicadas al espectáculo.

Por esos años, las fotografías de Evita se alternaban entre el retrato recatado y algunas poses más sueltas. Existen testimonios de Eva visitando las redacciones y convenciendo a las secretarias para obtener esas imágenes. Muchas veces lo consiguió. La revista Guión, del 3 de abril de 1940, publicó la foto de Annemarie Heinrich en portada, que la muestra en traje de baño.
Recordando la sesión en donde se realizó la imagen de Evita con malla de lunares Annemarie Heinrich señalaba: "La primera vez que la retraté fue para la revista Sintonía. Me pidieron que le hiciera 'buenas fotos y un poco sexy, si es posible', algo que no pude hacer porque Eva no era sexy. Era una piba del interior, muy modesta y simple".

Annemarie hizo del retrato y del desnudo un arte y fue probablemente la primera que en la Argentina trató la fotografía como arte.
Creó una forma de presentar a los ídolos del cine, el teatro, la radio o la danza, idealizándolos al punto de hacer creer que eran perfectos.
En un reportaje en el diario Clarín decía: “Un buen retrato es algo más que una foto carné. Una cara debe expresar todo lo que un ser humano tiene dentro de sí, y eso lleva tiempo”.
En el mismo reportaje daba esta notable definición del arte: “La belleza se aprende mirando. Trabajé toda mi vida mirando un cuerpo, una luz, un reflejo”.

El Desnudo, de 1946, de la colección fotográfica del Museo Nacional de Bellas Artes fue denunciado en 1991 ante la justicia por “exhibición obscena”, por estar expuesto en la vidriera de su estudio. El repudio, tanto nacional como internacional, en nombre de los valores estéticos de la obra y la trayectoria de su autora, sosegó a la censura.

Fue jurado de la Federación Argentina de Fotografía y del Foto Club Buenos Aires, y nombrada Honorable Excelencia de la ‘Federation Internationale de l'Art Photographique’ en 1982. ​
Obtuvo el Premio Konex - Diploma al Mérito como una de las 5 mejores fotógrafas de la historia en Argentina.
También le concedieron ser Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires en 1992.

Falleció a los 93 años en Buenos Aires el 22 de septiembre de 2005.
Sus fotografías forman parte de la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes, del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, del Museo Nacional de Cine y del Museo Mundial de Tango.
Tenía su estudio en Callao y Las Heras, en el barrio porteño de Recoleta.
Sus hijos, Alicia y Ricardo Sanguinetti, siguen la misma profesión en el mismo estudio. 

Fuente: Wikipedia.

El protagonista de esta entrada es, para mí, un fotógrafo excepcional.
Aunque la fecha de su nacimiento varía según las fuentes, parece ser que nació un 20 de enero de 1958, por lo que…
…¡¡¡Feliz cumpleaños, Chema!!!

Chema Madoz, como fotógrafo, es un auténtico maestro en el uso de la forma. Prácticamente toda su obra se basa en la fotografía de objetos, pero lo hace combinándolos y colocándolos de tal forma que crea metáforas visuales espectaculares y hace que el espectador descubra nuevas formas hechas a partir de objetos fácilmente identificables.
Madoz juega con la forma de todos estos objetos, mostrándolos de una manera determinada y estudiada para impactar al espectador.

Chema Rodríguez Madoz nació en Madrid y entre los años 1980 y 1983 cursó Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.
Estas primeras seis imágenes corresponden a una primera etapa donde ya aparecen elementos y pistas de lo que será el resto de su obra.

La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expuso la primera muestra individual del autor en el año 1984.
En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inauguró su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos.
Dos años después, en 1990, comenzó a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha​.
En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía mostró la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que llevará de manera itinerante por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición. 

En el año 1991 recibió el Premio Kodak y en 1993 recibió la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto.

La Editorial Art-Plus de Madrid editó en 1995 su primera monografía: el libro Chema Madoz (1985 - 1995).
Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista, el libro titulado Mixtos - Chema Madoz.

En 1999 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela mostró la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997.
A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedicó la exposición individual "Objetos 1990 - 1999", que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.

En el 2000 el fotógrafo madrileño recibió el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor Destacado".
Su obra sobrepasa las fronteras españolas llegando no solo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia).
Ese año recibió el premio Higashikawa en Japón.

A través de la infinita imaginación y agudo sentido del humor del artista, sus objetos cobran vida con juegos visuales cargados de ironía y dotan a cada “retratado” de un significado completamente diferente al esperado.
El ingenio de Madoz lleva al espectador a un mundo surrealista, a asomarse a una mente inquieta, siempre dispuesta a transformar lo cotidiano en algo excepcional.

La poesía visual de estas imágenes, siempre aclamadas por la audiencia que busca compartir ese guiño cómplice con el artista, se han convertido, a lo largo de cuarenta años de carrera, en auténticos iconos de la fotografía.

Nota: El autor y propietario de las fotografías es Chema Madoz, por lo que la difusión y reproducción total o parcial de las mismas con ánimo de lucro está prohibida.

Hoy se cumplen 127 años del nacimiento de un artista obsesionado por la belleza. Nacido en Berlín y nacionalizado estadounidense fue muy conocido por sus fotografías de moda publicadas sobre todo en Vogue y Harper's Bazaar.

Erwin Blumenfeld nació el 26 de enero de 1897 en Berlín en el seno de una familia judía de clase media. Su padre era Albert Blumenfeld, socio principal del negocio de paraguas y bastones de la firma Jordan & Blumenfeld; su madre se llamaba Emma, ​​de soltera Cohn.
Su primera fotografía, tomada a los 10 años con una cámara regalada por su tío Karl, fue una naturaleza muerta. A los 14 años ya experimentaba con los autorretratos.

De 1903 a 1913 asistió a la Escuela Askan de Berlín.
Cuando tenía 16 años, Blumenfeld tuvo que abandonar la idea de seguir estudiando porque con la muerte de su padre la familia estaba prácticamente en quiebra. De este modo, Blumenfeld tuvo que trabajar tres años de aprendiz en Moses & Schlochauer (ropa de mujer) en Hausvogteiplatz, Berlín.
En aquella época, él y su mejor amigo de la escuela, Paul Citroen , iban a menudo al Café des Westens , un popular lugar de reunión de los expresionistas.
Aquí conoció tanto a artistas expresionistas como posteriormente a dadaístas , entre ellos Else Lasker-Schuler, Mynona y George Grosz, de quienes se convirtió en amigo para toda la vida.

Fashion. Fotomontaje de 1950.

En 1916, Blumenfeld conoció a Lena Citroen (1896-1990), prima de Paul Citroen. La pareja se casó en 1921. Durante este tiempo, Blumenfeld realizó principalmente collages y dibujos .

Blumenfeld fue reclutado en 1917, durante la Primera Guerra Mundial y enviado al Frente Occidental, primero como conductor de ambulancia y más tarde cerca de la frontera belga como contable en el burdel para soldados Feld No. 209, recibiendo la Cruz de Hierro de Segunda Clase por su valentía.
Mientras estaba de vacaciones en Alemania en junio de 1918, intentó desertar a Holanda, pero fue arrestado y encarcelado antes de que pudiera poner en práctica sus planes. Tras su liberación, regresó al frente, donde se enteró de la muerte de su hermano Heinz cerca de Verdún.

Al final de la Primera Guerra Mundial, Blumenfeld siguió a Lena Citroen a Ámsterdam, donde hizo varios intentos por mantener un nivel de vida aceptable. Trabajó en tiendas de moda, para libreros y se asoció con Paul Citroen, que era marchante de arte. Este intento fue abandonado porque prácticamente no había mercado para el arte contemporáneo en Holanda. En cambio, se convirtió en pintor aficionado, haciendo collages y dibujos y participando en el movimiento dadaísta holandés.
Blumenfeld ya había publicado textos y poemas en el almanaque Dada, editado por Richard Hülsenbeck, en 1920 bajo el seudónimo de "Jan Bloomfield". 

En 1923, Blumenfeld abrió su propia tienda de artículos de cuero con bolsos en Kalverstraat, la calle comercial más popular de Ámsterdam, bajo el nombre de “Fox Leather Company”, que no tuvo éxito financiero.
Mientras tanto, se mudó con su familia a Zandvoort . En 1929 fue arrestado en la playa de esa ciudad por indecencia sexual al habérsele caído uno de los tirantes del traje de baño, por lo que no recibió la ciudadanía holandesa que había solicitado como ciudadano alemán y luego fue enviado a un campamento de internamiento francés.
En 1932, Blumenfeld descubrió un cuarto oscuro en funcionamiento detrás de su tienda en Kalverstraat y comenzó a fotografiar clientes, principalmente retratos y también desnudos.
Colgó estos retratos en el escaparate de su tienda, encima de los bolsos de piel de cocodrilo. También comentaba los acontecimientos políticos actuales en agudos collages.

El negocio de bolsos extravagantes de Blumenfeld quebró en 1935. Ese mismo año, sus primeras fotografías fueron publicadas en la revista francesa “Photography” y mostradas en una exposición colectiva en la escuela de arte de Paul Citroen, la Nieuwe Kunstschool, junto con Grosz, Man Ray, Mondrian,  Moholy-Nagy, Léger, Schwitters y otros.

No fue hasta 1936 que Blumenfeld decidió convertirse en fotógrafo profesional trasladándose a París.
Geneviève Rouault, una exitosa dentista e hija de Georges Rouault, a quien conoció durante una visita a su tienda en Amsterdam, le organizó una exposición en su sala de espera cerca de la Ópera de París. En París, Rouault presentó a Erwin Blumenfeld a artistas como su padre y HenriMatisse y también le ayudó a conseguir clientes para sus retratos. Los primeros éxitos llegaron rápidamente.

Cecil Beaton ayudó a Blumenfeld a conseguir un contrato con la revista Vogue francesa en 1938 y al año siguiente tomó su fotografía de moda parisina más conocida con la modelo Lisa Fonssagrives en la Torre Eiffel.
En ese momento, Blumenfeld pudo traer a su familia a vivir a París. Ahora tenía tres hijos con Lena: Lisette, Heinz y Yorick.

En 1939 viajó por primera vez a Estados Unidos y consiguió un contrato con la revista de moda Harper's Bazaar.
Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, regresó a Francia en 1940.
Su familia había abandonado París y emigrado a Bretaña y Blumenfeld guardó sus copias y películas en dos cajas en su estudio del número 9 de la Rue Delambre y se las entregó a un conocido.
Blumenfeld abandonó París y fue encarcelado en una serie de campos de concentración, incluido Le Vernet (campo de internamiento), y luego, un año más tarde, en un campo cerca de Catus.

En 1942 logró emigrar a Estados Unidos.
Encontró un apartamento en el “Hotel des Artistes”, calle 67 de la ciudad de Nueva York y compartió el estudio con Martin Munkácsi durante dos años.
Poco después se mudó a su propio estudio fotográfico. En las décadas de 1940 y 1950 su trabajo apareció en Harper's Bazaar, Vogue, Life, Cosmopolitan y muchas otras publicaciones estadounidenses e internacionales.

Sus imágenes de refinada elegancia rezuman erotismo sutil. La mujer es a la vez sensual, remota y muy estilizada. Le gustaba presentar a una mujer distante e irreal, sensual pero inaccesible.
Una mujer es, en sus fotos, una silueta borrosa; un sueño y una fantasía.
Su fotografía de desnudos también fue muy valorada.
Fue uno de los fotógrafos de moda mejor pagados de su tiempo. Blumenfeld disfrutó de su nueva vida en Estados Unidos, dividiendo su tiempo entre su glamuroso estudio de doble altura en Central Park y su casa de playa en los Hamptons.
Su estudio se convirtió en un lugar de encuentro para estrellas como Marlene Dietrich, Audrey Hepburn y Grace Kelly, así como para las numerosas modelos que fotografió, entre ellas Carmen Dell'Orefice, de quien fue amigo hasta su muerte.

Audrey Hepburn. 1952

Oeil de biche (Ojo de cierva). 1949

Jean Patchett. 1949

Grace Kelly

En los años 1960, Blumenfeld trabajó en su biografía. A mediados de esta década no pudo encontrar un editor con el manuscrito en bruto que quisiera imprimir el libro.
Los editores lo calificaron de repulsivo, de mal gusto, obsceno y carente de recuerdos sentimentales. 
Sólo después de su muerte se publicó en Francia en 1975 el libro Einbildungsroman , título e ilustraciones elegidos por él.

Blumenfeld murió de un infarto en Roma el 4 de julio de 1969, en compañía de su asistente suiza Marina Schinz, su último gran amor desde 1961.

Autorretrato

Autorretrato. 1950

Autorretrato

Retrato por Gordon Parks para Life. 1950

Hoy se cumplen 98 años del nacimiento de una fotógrafa aficionada protagonista de un hecho insólito: a pesar de ser totalmente desconocida su obra cuando vivía, una vez que su trabajo fue descubierto de forma fortuita, Vivian Maier entró por derecho propio en la historia de la fotografía.
Es más, hoy no se puede hablar de fotografía de calle (street photography) sin nombrarla.
Las imágenes captadas por Vivian Maier son mi debilidad.

Vivian Maier nació el 1 de febrero de 1926 en la ciudad de Nueva York.
A pesar de ser estadounidense, pasó en Francia  la mayor parte de su juventud.
Maier nació de madre francesa y padre austriaco en el distrito del Bronx de la ciudad de Nueva York. Los registros del censo, aunque útiles, nos dan una imagen incompleta. Encontramos a Vivian a la edad de cuatro años viviendo en Nueva York con su madre y con Jeanne Bertrand, una fotógrafa de retratos galardonada y con su padre ya fuera de escena.
Registros posteriores muestran que Vivian regresó a Estados Unidos desde Francia en 1939 con su madre, Marie Maier y con posterioridad marchó nuevamente a Francia.
En algún momento de 1949, mientras aún estaba en Francia, Vivian comenzó a experimentar con sus primeras fotografías. Su cámara era una modesta cámara tipo caja Kodak Brownie, una cámara amateur con una sola velocidad de obturación, sin control de enfoque y sin dial de apertura. 
En 1951, Maier regresa ya sin su madre a Nueva York en el barco de vapor 'De-Grass' y se instala con una familia en Southampton como niñera.
En 1952, Vivian compra una cámara Rolleiflex para cumplir su objetivo de fotografiarlo todo. Permanece con esta familia durante la mayor parte de su estancia en Nueva York hasta 1956, cuando se muda a North Shore en Chicago donde otra familia contrataría a Vivian como niñera para sus tres hijos y se convertiría en su familia más cercana por el resto de su vida.
En 1956, cuando Maier se mudó a Chicago, disfrutó del lujo de un cuarto oscuro y un baño privado. Esto le permitió procesar sus impresiones y revelar sus propios rollos de película en blanco y negro, pero cuando los niños llegaron a la edad adulta, el fin del empleo de Maier en esa primera familia de Chicago a principios de los años setenta la obligó a abandonar el desarrollo de su propia película.
A medida que pasaba de una familia a otra, sus rollos de trabajos sin revelar ni imprimir comenzaron a acumularse.

Vivian tenía una historia interesante. Su familia estuvo completamente fuera de escena desde muy temprano en su vida, lo que la obligó a volverse singular, como lo sería por el resto de su vida.
Nunca se casó, no tuvo hijos ni amigos muy cercanos que pudieran decir que la “conocían” a nivel personal.
Los relatos de las personas que conocieron a Vivian son todos muy similares. Era excéntrica, fuerte, muy obstinada, muy intelectual e intensamente reservada.
Llevaba un sombrero flexible, un vestido largo, un abrigo de lana y zapatos de hombre y caminaba con paso poderoso.
Con una cámara colgada del cuello cada vez que salía de casa, tomaba fotografías obsesivamente, pero nunca las mostraba a nadie.
Un manera de captar imágenes descarada y sin complejos. Las fotografías de Maier también delatan una afinidad por los pobres, posiblemente debido a un parentesco emocional que sentía con aquellos que luchaban por salir adelante.
En la década de los sesenta, Maier decidió cambiar a la fotografía en color, disparando principalmente con película Kodak Ektachrome de 35 mm, utilizando una Leica IIIc y varias cámaras SLR alemanas.
El trabajo en color sería diferente al realizado con anterioridad y se volvió más abstracto a medida que pasaba el tiempo. La gente poco a poco salió de sus fotos para ser reemplazada por objetos encontrados, periódicos y graffitis.
En la década de 1980 Vivian enfrentaría otro desafío con su trabajo. Las tensiones financieras y la falta de estabilidad volvieron a paralizar su procesamiento y los rollos de color Ektachrome comenzaron a acumularse.

En algún momento entre finales de la década de 1990 y los primeros años del nuevo milenio, Vivian dejaba su cámara y guardaba sus pertenencias mientras intentaba mantenerse a flote. Pasó de la calle a vivir en un pequeño estudio que una familia para la que trabajaba ayudó a pagar.
Finalmente fue salvada por tres de los niños que había cuidado anteriormente en su vida y que, recordando con cariño a Maier como una segunda madre, se unieron para pagar un apartamento y cuidaron de ella lo mejor posible.
Sin que ellos lo supieran, uno de los trasteros de alquiler de Vivian fue subastado debido a pagos atrasados. En esos trasteros se encontraba la enorme reserva de negativos que Maier escondió en secreto a lo largo de su vida.
Los negativos fueron subastados por la empresa de almacenamiento a RPN Sales, quien separó las cajas en una subasta mucho más grande para varios compradores, incluido un tal John Maloof.
En 2008, caminando por el centro de Chicago, Vivian cayó sobre una superficie de hielo y se golpeó la cabeza.
Aunque se esperaba que se recuperara por completo, su salud comenzó a deteriorarse, lo que obligó a Vivian a ingresar en un asilo de ancianos donde falleció poco tiempo después, el 21 de abril de 2009 a los 83 años de edad, dejando atrás su inmenso archivo de trabajo.

Al tomar fotografías constantemente a lo largo de cinco décadas, finalmente dejó más de 100.000 negativos, la mayoría de ellos tomados en Chicago y la ciudad de Nueva York.
Vivian se entregaría aún más a su apasionada devoción por documentar el mundo que la rodeaba a través de películas, grabaciones y colecciones caseras, logrando un retrato fascinante de la vida estadounidense en la segunda mitad del siglo XX.
La enorme obra de Maier no saldría a la luz hasta 2009.
A partir de ahí, las imágenes de Vivian impactarían a todo el mundo y cambiarían la vida del hombre que defendió su trabajo y lo llevó a la luz pública, John Maloof.

Actualmente, la obra de Vivian Maier todavía se está archivando y catalogando para el disfrute de todos nosotros.
John Maloof está en el centro de este proyecto después de reconstruir la mayor parte del archivo, que previamente había sido distribuido a los distintos compradores que asistieron a esa subasta. Ahora, con aproximadamente el 90% de su archivo recopilado, el trabajo de esta desconocida fotógrafa aficionada forma parte de un renacimiento del interés por el arte de la fotografía callejera.

Vivian dejó escrito:
 “Bueno, supongo que nada está destinado a durar para siempre. Tenemos que hacer espacio para otras personas. Es una rueda. Sigues adelante, tienes que llegar hasta el final. Y luego alguien tiene la misma oportunidad de llegar al final y así sucesivamente”.

Autorretratos:

Fuente: Web oficial de Vivian Maier. 

Hoy se cumplen 224 años del nacimiento de uno de los padres de la fotografía: William Henry Fox Talbot, fotógrafo, inventor, arqueólogo, botánico, político y miembro del Parlamento británico.
Creador del calotipo o talbotipo con el que, a diferencia del daguerrotipo, se podían reproducir tantas copias como se quisiese de una misma imagen.
Un personaje imprescindible de la historia de la fotografía junto a nombres como Nicéphore Niépce, Louis Daguerre, Hippolyte Bayard y Hercule Florence.

Empresa taller en Reading, Berkshire
 A la derecha, Talbot y  a la izquierda, su ayudante Henneman

Dibujo fotogénico. Hacia 1839

Maderería, 1843

Horatia tocando el arpa. Mayo de 1843

Retrato de estudio

Ela Theresa, hija mayor de Talbot

Horatia (?), hermanastra de Talbot

Tras estos logros comenzó a trabajar con la cámara oscura. En el año 1835 fijó su primer negativo en un tamaño muy pequeño, para el que necesitó una exposición de media hora.
No avanzó mucho en los siguientes años ya que sólo fue capaz de generar imágenes pequeñas e imperfectas sobre papel y en negativo.
Al oír hablar del invento de Niépce y Daguerre se sintió estimulado para continuar sus investigaciones, a la vez que reclamó un reconocimiento público para su línea de investigación.
Es por ello que dio a conocer sus logros a los medios científicos británicos; MichaelFaraday leyó ante la Royal Society de Londres un texto titulado "Algo sobre el dibujo fotogenico".
Incluso enseñó sus fotografías al político francés François Arago, quien pudo comprobar que estas imágenes imperfectas no podían ser comparadas a las realizadas por Daguerre que eran de mucha más calidad.

Calle de París

Ejemplar del libro El lápiz de la naturaleza. 1844

Retrato de Talbot por Antoine Claudet

Autorretratos:

Feliz aniversário, Eduardo!
Parabens pra você!
Hoy cumple 89 años el estupendo fotorreportero portugués Eduardo Gageiro, conocido por sus reportajes sobre la Revolución de los Claveles de 1974.

Sacavém, Loures. 1951

Casal Ventoso, Lisboa. 1960

Aeropuerto de Lisboa. 1962

Poço do Bispo, Lisboa. 1963

Puente sobre el Tajo, Lisboa. 1963

Feira da Ladra, Lisboa. 1964

Sophia de Mello Breyner en Lisboa. 1964

Sylvie Vartan. Lisboa, 1965

Alfama, Lisboa. 1966

Raul Solnado en el puente sobre el Tajo. 1966

Fátima, 1967 

Inundaciones en Valada do Ribatejo, 1967

Grace Kelly con la reina Victoria Eugenia, 1967

Pescadores, 1967

Fátima, 1968 

Gilbert Bécaud. Lisboa, 1968

Gina Lollobrigida, 1968

Rosa Ramalho. Lisboa, 1968

Rudolf Nuréyev. Lisboa, 1968

Ciudad Universitaria de Lisboa, 1969

Lisboa, 1970

Vilar Formoso, 1970

Barrio chino de Lisboa, 1971

Amália Rodrigues. Alfama, Lisboa, 1971

Feira das Mercês, Sintra, 1971

Contaminación en Barreiro, Setúbal. 1972

Lisboa, 1973

Revolución de los Claveles.  25 de abril de 1974
Negociaciones con el mayor Pato Anselmo en Lisboa

Revolución de los Claveles.  25 de abril de 1974
Salgueiro Maia en Terreiro do Paço  Lisboa,

Revolución de los Claveles.  25 de abril de 1974

Revolución de los Claveles.  25 de abril de 1974

Revolución de los Claveles.  25 de abril de 1974
Sede del PIDE, Lisboa

Revolución de los Claveles.  25 de abril de 1974
Sede del PIDE, Lisboa

Alvor, Algarve. 1974

Sines, Setúbal. 1974

General Spínola. Mafra, Lisboa. 1975

En 1974 obtuvo el 2º premio en el World Press Photo en la categoría Retratos.
El 10 de junio de 2004 se le concedió la Orden del Infante D. Henrique que tiene como objetivo distinguir la prestación de servicios relevantes a Portugal o servicios en la expansión de la cultura portuguesa, su historia y sus valores.
El 5 de noviembre de 2005 ganó la Medalla de Oro a la mejor fotografía y la Medalla de Oro a la mejor fotografía en blanco y negro en la 11ª Exposición Internacional de Fotografía Artística de China, el concurso de fotografía más grande del mundo, donde más Participaron más de 3.500 fotógrafos de 68 países y más de 35.000 fotografías.

Su trabajo se puede incluir en gran medida en la fotografía humanista, con influencias de Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau y Willy Ronis.

Peniche, Leiría. 1980

Mitra, Lisboa. 1981

Évora, 1982

Mértola, 1985

Sines, 1986

Cabo Espichel, 1996

Kerbala, Irak. 1996

Bagdad, Irak. 1996

Nazaré, 1997

Díli, Timor Oriental. 2000

Díli, Timor Oriental. 2000

Balide, Timor Oriental. 2000

Muro de las lamentaciones, Jerusalén. 2005

Delhi, India. 2006

Amritsar, India. 2006

Actualmente es fotógrafo freelance.
Es miembro honorario de Fotokluba de Riga, Fotoclube Natron (ex Yugoslavia), Osterreichisdhe Fur Photographie, OGPh Vienna (Austria), Gold Year of Honor (Novi Sad, ex Yugoslavia) y Excellence FIAP (Fédération Internationale de l'Art Photographique - Berna, Suiza).
Es el único portugués que tiene una fotografía expuesta permanentemente en la Casa de la Historia Europea, en Bruselas, desde 2014.

Nota: El autor y propietario de las fotografías es Eduardo Gageiro, por lo que la difusión y reproducción total o parcial de las mismas con ánimo de lucro está prohibida.

Nacido en 1925 y con una carrera profesional de más de 75 años, Ormand Gigli fue uno de los fotógrafos comerciales más prolíficos y con mayor éxito del siglo XX, con importantes trabajos en teatro, cine, danza, moda, retratos y viajes.
En el centro de su obra se encuentra su fotografía más conocida: Girls In The Windows, una imagen que Gigli concibió para él mismo y no para un encargo y que no sólo impulsó su carrera sino que definió su visión artística.
Se estima que es la fotografía más coleccionada de todos los tiempos.

Chica en la luz, 1967

Nueva York, 1960

Portugal, 1955

Con el tiempo su trabajo se expandió hacia el retrato, creando imágenes íntimas y reveladoras.
Ha fotografiado a innumerables estrellas y celebridades a lo largo de su carrera, incluidas Sophia Loren, Gina Lollobrigida, Anita Ekberg, Marcel Duchamp, Willem de Kooning, John F. Kennedy, Halston, Marlene Dietrich, Leslie Caron, Judy Garland, Liza Minelli, Barbara Streissand, Laurence. Olivier, Alan Bates, Richard Burton, Louis Armstrong, Miles Davis y muchos más.

A principios de la década de 1950 ya era famoso por sus fotografías de teatro, celebridades, danza, personas y lugares exóticos.
Gigli trabajó más como retratista que como fotoperiodista. Su capacidad para ganarse la confianza de los sujetos en su visión (a menudo durante situaciones complicadas, incómodas e incluso peligrosas) fue tan importante para las fotografías como su delicadeza técnica con la cámara.
Completan su variada y rica carrera fotografías periodísticas de gitanos en Portugal, toreros en España y un retrato profundo y amplio de los beduinos que muestra poderosas imágenes de la vida en el desierto.
Durante las décadas de 1970 y 1980, Gigli se dedicó a la fotografía publicitaria, mientras continuaba con su labor editorial.
Los encargos de reportajes lo han llevado alrededor del mundo en numerosas ocasiones. 

Es indudable que Ormond Gigli tuvo una ilustre carrera como fotoperiodista a lo largo de 40 años y tomó muchas fotografías magníficas, pero una fotografía ha eclipsado a todas las demás. Fue una fotografía que concibió él mismo, sin encargo editorial.
Se trata de la incomparable "Las chicas de las ventanas" de 1960.

Original por su enfoque único e innovador, Representa a 41 mujeres vestidas de colores coloridos paradas en las ventanas de un edificio de piedra rojiza en East 58th Street en el Upper East Side de Manhattan , y a otras dos mujeres en la acera cerca de un automóvil Rolls-Royce .
Hoy en día es una de las imágenes más reconocibles del género, no sólo de la fotografía de moda de los años 60, sino que también triunfa como icono en los niveles de la fotografía artística.
 Se ha estimado que es la fotografía de mayor valor comercial y una de las más coleccionadas, debido al gran número de ejemplares firmados que se han vendido en subasta. 

La historia de la popular fotografía Girls In The Windows es la siguiente:
En 1960, Gigli se encontraba trabajando en un estudio en East 58th Street, en el corazón de Manhattan. Al otro lado de la calle había una serie de casas adosadas, listas para ser demolidas.
Con la intención de capturar la belleza de los edificios antes de que desaparecieran para siempre, el artista se puso a trabajar en la creación de la imagen perfecta para conmemorar el vecindario que tanto había llegado a amar.
No tenía dinero para pagar modelos profesionales, ni acceso a un presupuesto para una sesión de fotos que no tenía patrocinio.
Entonces, habló con el capataz del edificio y lo convenció de que le permitiera trabajar durante un período de dos horas y eliminar los atascos de las ventanas.
Se puso en contacto con una agencia de modelos para la que había trabajado y pidió modelos que se ofrecieran como voluntarias para aparecer en la “foto de sus sueños" a las que pagó un simbólico dólar por la sesión.
Debían vestirse, peinarse y maquillarse como quisieran y presentarse durante la hora del almuerzo.
Como el edificio se había quedado sin electricidad y gas, había un enorme agujero en la acera. Así que, sin miedo a pedir un favor, se puso en contacto con el ayuntamiento y pidió permiso para que un Rolls Royce estuviera aparcado en la acera durante el tiempo necesario para montar todo el cuadro.

Colocó a las modelos, incluida su esposa, tratando de coordinar libremente sus atuendos en las ventanas. Algunas fueron lo suficientemente atrevidas como para subirse al marco de la ventana y otras quedaron enmarcadas por la ventana. Con tres modelos adicionales, dos en la calle y una en la planta baja, el cuadro estaba completo.
Al final no había dos figuras exactamente iguales; la postura y el atuendo que asumió cada mujer alude a cómo podría ser su personalidad fuera de los límites de la fotografía.
Desde la escalera de incendios de su estudio, pudo capturar la acción que se desarrollaba en esos cinco pisos. El producto final resultó ser algo surrealista, reduciendo a las mujeres vivas y respirando a juguetes de colores brillantes en una casa de muñecas.
La riqueza de la fotografía surge de la capacidad de apreciarla de diferentes maneras: ya sea como un todo, como una composición rítmica de color y forma, formada por el patrón de ventanas, figuras humanas y vestidos coloridos; o bien ofreciendo al espectador la posibilidad de que explore sus diversas partes ya que cada mujer presenta un punto diferente de la interesante historia.

Así recuerda Ormond Gigli la historia (según la revista Time): 
“En 1960, mientras un equipo de construcción desmantelaba una hilera de casas de piedra rojiza justo enfrente de mi propio estudio de piedra rojiza en East 58th Street, me inspiré para, de alguna manera, inmortalizar esos edificios.
Tuve la visión de 43 mujeres vestidas formalmente adornando las ventanas de la esquelética fachada. Tuvimos que trabajar rápidamente para obtener los permisos de la ciudad, organizar modelos que incluyeran a la esposa del supervisor de demolición (tercer piso, tercero desde la izquierda) y a mi propia esposa (segundo piso, extremo derecho) y también asegurar que el Rolls Royce estuviera estacionado en la acera.
¡Era necesaria una planificación cuidadosa ya que la fotografía debía realizarse durante la hora del almuerzo de los trabajadores!
El día antes de la demolición de los edificios, las 43 mujeres aparecieron vestidas con sus mejores galas, entraron en los edificios, subieron las viejas escaleras y ocuparon sus lugares en las ventanas.
Yo estaba sentado en mi escalera de incendios al otro lado de la calle, dirigiendo la escena, con un megáfono en la mano. Por supuesto, me preocupaba la seguridad de las modelos, ya que algunas se atrevieron a posar en los alféizares desmoronados.
La fotografía salió según lo planeado. Lo que a algunos les había parecido demasiado peligroso o difícil de lograr, se convirtió en mi fantasía cumplida y en mi fotografía más memorable.
La mayoría de los fotógrafos profesionales sueñan con tener una imagen distintiva por la que sean conocidos y <Las chicas de las ventanas> es la mía".

Girls In The Windows, 1960

Ormond antes de la inminente demolición

Viñetas, c.1964

Modelos de la Agencia Eileen Ford, 1966
Conseguir esta imagen fue una auténtica proeza según palabras de Ormond.
Estaban las modelos más famosas de la agencia a pesar de tener todas ellas
unas agendas muy complicadas para la reunión.

Ormond en lo alto del Pan Am Building en obras, 1962

Maurice Baquet, 1937

Saltadora, 1936

Gimnasia en la playa, 1938

Amor en la arena, 1936

La sombra de la mano

Pierre Boucher nació en el XV Distrito de París en 1908.
De 1922 a 1925, Pierre asistió a la Escuela de Artes Aplicadas de París donde conoció a Roger Parry. 
Estos primeros estudios de publicidad de proximidad y conocimiento de las técnicas gráficas modernas serán decisivos en su posterior enfoque artístico.

Después de sus estudios, a finales de la década de 1920, comenzó a trabajar en la imprenta Draeger Frères y colaboró ​​​​con la revista estadounidense The Spur, donde realizó bocetos de moda para los diseñadores más importantes.
Pierre Boucher comenzó como ilustrador en el departamento de publicidad de la cadena de grandes almacenes Printemps y luego se incorporó al taller Tolmer dirigido por Claude Tolmer y Alekséy Brodovich.
Esta empresa, especializada en publicidad para empresas relacionadas con el mundo del lujo y de la moda (Piguet, Lelong, Molyneux, Patou, etc.), incorporó un taller de gráfica donde Pierre trabajó de 1927 a 1928, y un taller de fotografía donde conoció a Louis Caillaud y Jean Moral, quienes lo pusieron en contacto con la fotografía moderna.

Tejados de París, 1934

Embotellamiento en las orillas del Sena

Aislantes cerámicos, 1935

Accidente ferroviario, 1935

Vías del tren, 1930

De 1928 a 1930, durante su servicio militar, Boucher estudió fotografía en la división de fotografía de la fuerza aérea.
Quizás por sus inicios en el estudio Tolmer, Boucher estuvo más concienciado con el grafismo, y nunca perdió el gusto por el fotomontaje y la recomposición de imágenes.

A principios de la década de los años 30 colaboró en la revista Arts et Métiers Graphiques. 
En 1932, realizó prácticas en el Studio Deberny Peignot, donde conoció a Maurice Tabard, Maurice Cloche y René Zuber.

Su proximidad a los estudios de publicidad y su conocimiento de las técnicas gráficas modernas serán decisivos en su planteamiento artístico.
En 1932 fue contratado por René Zuber dentro del Studio Zuber y dos años después, en 1934, los dos crearon la agencia Alliance Photo junto a  Maria Eisner.
Dentro de esta agencia, Pierre impuso el primer código de ética para los fotógrafos y el respeto a la firma de los fotógrafos en las publicaciones de los medios de comunicación.

Desnudo en el agua, 1935

Sobreimpresión. Desnudo, 1937

Sobreimpresión. Desnudos, 1935

Nadadora, 1945

Piernas, 1933

Sobreimpresión. Desnudo con ola, 1935

En el agua, 1939

Agua, 1935

Desnudo, hacia 1935

Faro. Saint Tropez, 1935

Ventana en Saint Tropez. Verano de 1950

Pierre siguió explorando todas las posibilidades de la fotografía:  reportaje, fotografismo, desnudos, solarización, fotogramas, deformación.
Sus frecuentes viajes a España, Egipto, Marruecos, Mónaco, Rusia, Perú, Bolivia, Brasil o Estados Unidos, proporcionarán una gran colección de fotografías, muchas de las cuales darán lugar a exposiciones en galerías de arte francesas.

Pero lo que marca su obra es el haber sido decisiva en el ingreso de la fotografía en la modernidad como materia artística completa.

Pierre Boucher trabajó diversos aspectos de la fotografía con gran visión de futuro; participó del movimiento fotográfico NuevaVisión  y de la Nueva Objetividad donde exploró la fotografía de vanguardia.

La caída de Ícaro, 1946

Manual de esquí de Émile Allais

Émile Allais, 1949

Corredor en salida,  1938

Janine Prévert con lupa, 1938

Retrato de mujer, 1940

Su enfoque artístico también aparece en el trabajo comercial, como carteles, documentales, ilustraciones, informes de la industria o imágenes para la edición de libros como el famoso método francés de esquí Emile Allais.

Para este innovador incansable, todas las técnicas son buenas para explorar.
Sus fotografías van desde  la experimentación hasta la fotografía documental, sumergiéndose en la fotografía industrial, los reportajes y la fotografía de desnudos.
Le debemos desnudos surrealistas inspirados por Man Ray, fotogramas, foto-collages, solarización y sobreimpresiones.

Pierre sentía una atracción muy especial por el deporte y comentó en una ocasión:
 “Busco imágenes activas. Hay que actuar con mirada rápida, captar movimientos en pleno vuelo, captar la vida en lo más conmovedor, en lo más esquivo."

En el libro Nu en photographie, Editions Mana. París, 1937, se escribe:
"Al igual que Man Ray, Pierre Boucher es ante todo un ilustrador. Nos sorprende por la extrema riqueza de sus ideas, su imaginación ilimitada, su gusto original y seguro. Para él, la fotografía es una segunda forma de expresar el pensamiento artístico que su lápiz ya ha esbozado”

Murió en Faremoutiers, Seine-et-Marne el 27 de noviembre de 2000 a la edad de 92 años.

Hoy se cumplen 99 años del nacimiento de un fotógrafo considerado por muchos l’enfant terrible de la fotografía holandesa.
Van der Elsken es fundamentalmente un fotógrafo de calle que busca retratar lo que él denominó ‘auténtico’ de cada ciudad.
Sus imágenes consiguen no dejar indiferente al espectador, quizás porque no emiten juicio alguno de los retratados.

Vali Myers. París, 1951

Ata Kandó. París, 1953

París, hacia 1960

Jean-Michel Mension y Auguste Hommel. Paris, 1953

Eduard van der Elsken nació el 10 de marzo de 1925 en Ámsterdam, Países Bajos.
En 1937,  con el deseo de convertirse en escultor, aprendió a tallar piedra en la Van Tetterode Steenhouwerij de Ámsterdam.
Después de completar sus estudios preliminares en el Instituut voor Kunstnijverheidsonderwijs, predecesor de la Academia Rietveld, se matriculó en 1944 en el programa de escultura profesional, que abandonó para escapar del trabajo forzoso nazi.
Ese mismo año, después de la Batalla de Arnhem, estuvo destinado en una unidad de eliminación de minas donde los soldados británicos le mostraron por primera vez la revista Picture Post.
Posteriormente, en 1947 descubrió Naked City, obra del fotógrafo sensacionalista estadounidense Weegee.
Estos encuentros inspiraron su interés por la fotografía y ese año trabajó en venta de fotografías e intentó realizar un curso por correspondencia en la Fotovakschool de La Haya, sin aprobar el examen final. 
Posteriormente se convirtió en miembro de la GKf (sección de fotógrafos de la federación holandesa de profesionales de las artes aplicadas, una asociación de fotógrafos fundada en 1945 por Cas Oorthuys, Emmy Andriesse, Eva Besnyö y Carel Blazer a los que pronto se unieron otros fotógrafos destacados, todos los cuales desempeñaron un papel importante en el movimiento de resistencia durante la guerra mundial).

Presunto inválido de guerra. Marsella, 1949

Paris, 1951

Borracho. Paris, 1950

Canal de Snoekjesgracht. Ámsterdam, 1961

Dos mujeres tailandesas. Ámsterdam, 1963

Canal de Groenburgwald. Ámsterdam, 1956

Gemelas en la plaza Nieuwmarkt. Ámsterdam, 1963

Ámsterdam, 1958

Ámsterdam, 1962

Plaza Leidseplein. Ámsterdam, 1983

Concierto de Lionel Hampton Big Band en el Houtrusthallen. La Haya, 1956

Por sugerencia de la fotógrafa holandesa Emmy Andriesse, se mudó en 1950 a París.
Trabajó en los cuartos oscuros de la agencia de fotografía Magnum, positivando imágenes de Henri Cartier-Bresson (del que quedó impresionado con su fotografía callejera), Robert Capa y Ernst Haas.
Allí conoció y se casó con su colega fotógrafa Ata Kandó, doce años mayor que él, que vivía con sus tres hijos. Así vivió Ed la bohemia parisina de 1950 a 1954.
Ata fue una documentalista de principios que influyó de manera determinante en Van der Elsken y en su decisión pasar del reportaje periodístico a convertirse en fotoperiodista.
Gran parte de su trabajo consistió en documentar subjetivamente su propia experiencia de vida enérgica y excéntrica adelantando e influyendo de este modo en los trabajos de Larry Clark, Nan Goldin o Wolfgang Tillmans.
Su familia adoptiva y sus vidas se convirtieron en los temas de sus fotografías junto con las personas que conoció durante este período parisino, incluido Edward Steichen quien utilizó imágenes de Ed en el libro “La familia del hombre” sobre la posguerra europea.

Su reportaje sobre el ambiente parisino influido por el clima existencialista que existía lo recoge en su libro Een liefdesgeschiedenis in Saint Germain des Prés (Una historia de amor en Saint Germain des Prés) publicado en 1956, año en el que también se publicó la versión inglesa con el título de Love on the left bank (El amor en la orilla izquierda).
Este libro, el primero de una veintena de publicaciones, se agotó rápidamente en Europa central y Reino Unido, y sus cualidades cinematográficas llevaron a Van der Elsken a experimentar posteriormente y a desarrollar una carrera paralela en el cine.

Imágenes de Hong Kong, 1959-1960:

Niña refugiada

Rickshaw

Al regresar a Ámsterdam en 1955, grabó a miembros de la vanguardia holandesa CoBrA, incluido Karel Appel, a quien luego filmó en un documental.
Se separó y se divorció de Ata Kando.
Luego viajó en 1957 a África central y a Tokio y Hong Kong de 1959 a 1960, con Gerda van der Veen, también fotógrafa, con quien se casó.
Filmó Welkom In Het Leven, lieve Kleine el nacimiento de su segundo hijo, Daan, en el antiguo y obrero barrio Nieuwmarkt de Ámsterdam. Este fue un ejemplo temprano de producción cinematográfica con una pequeña cámara montada en el hombro sincronizada con el sonido. 
No le interesó especialmente la fotografía artística como oficio, ni buscó crear iconos, y sus películas destacan por lo informal de su técnica y por componerse de fragmentos tomados de una vida nómada.

Sus fotografías nos ofrecen perspectivas cotidianas, íntimas y autobiográficas sobre el espíritu de la época europeo que abarca desde la Segunda Guerra Mundial hasta los años setenta en los ámbitos del amor, el sexo, el arte, la música (particularmente el jazz ) y la cultura alternativa.
Describió su cámara como su "enamorada" y dijo: "No soy un periodista, un reportero objetivo, soy un hombre con gustos y aversiones".

Chica en el metro. Tokio, 1981

Yakuza. Osaka, 1961

Rockers en el barrio Harajuku. Tokio, 1983

Osaka, 1961

Japón, 1984

Osaka, 1968

Tokio, 1966

Tokio, 1987

Puerto de Cebú City. Filipinas, 1959

Protestas contra la discriminación racial. Nueva York, 1960

N’Gabé, porteador de 23 años. Ubangui-Chari, 1957

Trabajador en Burutu. Nigeria, 1959

Solo blancos europeos. Durban, Sudáfrica. 1959

Desde 1971 vivió con su tercera esposa, la fotógrafa Anneke Hilhorst  en el campo cerca de Edam.
Durante este último periodo siguió viajando y trabajó entre el cine y la fotografía, produciendo otros 14 libros y emitiendo más de 20 películas con la colaboración y asistencia de Anneke.
Su última película fue Bye (Film de 1990, 1 hora 48 min, en color y blanco y negro), una valiente respuesta autobiográfica a su cáncer de próstata terminal.
Falleció el 28 de diciembre de 1990 a los 64 años en su casa de Edam.

Autorretrato con Valie Myers

Autorretrato con familia, 1952

Con Ata Kandó. París, 1952

E.E.U.U. 1960

Autorretrato, 1988

Para saber más:
- Timeline
- StyleFeelFree

- Annet Gelink Gallery