Tras un largo (larguísimo) periodo de inactividad, despierto nuevamente este blog con la intención de presentar semanalmente un nuevo fotógrafo.

Tsuneko Sasamoto con 25años

Escuela de Geishas

Espectáculo de striptease exclusivo para mujeres en Asakusa

Comenzó su carrera como ilustradora a tiempo parcial en las páginas de noticias locales del Tokio Nichinichi Shimbun (ahora Mainichi Shimbun, uno de los periódicos de Japón).
A los veintiséis años, fue ascendida a empleada en período de prueba en 1940 cuando se unió a la Sociedad Fotográfica de Japón, convirtiéndose oficialmente en la primera mujer fotoperiodista en Japón.
Sasamoto siempre consideró que Margaret Bourke-White fue una de las principales influencias que la llevaron a convertirse en fotógrafa.

La cúpula de Hiroshima Genpatsu

Las Juventudes Hitlerianas visitan Japón

Realizó su trabajo de fotógrafa de manera independiente, debido a que la prensa y las agencias más importantes no contrataban a las mujeres.
Tsuneko Sasamoto retrató la sociedad japonesa convirtiendo imágenes crudas en delicadas fotografías.

 Inejiro Asanuma, líder del Partido Socialista de Japón

Tokutomi Soho, periodista e historiador 

El luchador Riki Dozan

A través de sus imágenes descubrimos realidades como la posguerra, las huelgas de los sesenta o la realidad de las minorías.
Sus imágenes son  fieles retratos de la cultura y la tradición de su país.
Sasamoto fotografió diferentes temas desde el general Douglas MacArthur durante la ocupación estadounidense de Japón hasta los mineros del carbón en huelga y los estudiantes que protestaban.​

Un grupo de esposas de trabajadores en huelga contra la mina de carbón Mitsui Miike

Publicó un libro de fotos en 2011 llamado Hyakusai no Finder.
El año que cumplió 100 años, en el Salón de Fotografía JCII de Tokio, realizó una exposición consistente en cien fotografías de mujeres y heroínas desconocidas de la eras Meiji y Showa. Con esta muestra exhibió una parte importante de su trabajo porque nunca ha dejado, a lo largo de su carrera, de intentar rehabilitar figuras femeninas olvidadas. ​

Michiko Yuki

Noriko Awaya

Satoko Kitahara

Migishi Setsuko

​Se rompió la mano izquierda y las dos piernas en 2015, pero a pesar de todo continuó fotografiando.
Falleció de muerte natural en una residencia de ancianos de Kamakura.

Tsuneko Sasamoto, Tokio, 1940

Tsuneko Sasamoto, Tokio, 2014

Piergiorgio Branzi nace en Signa (a quince kilómetros de Florencia) un 6 de septiembre de 1928.

En sus primeros años, en Florencia, Branzi no estaba destinado a convertirse en fotógrafo. De hecho, trabajaba en la librería de su padre y estudiaba derecho cuando un encuentro casual con una exposición cambió el curso de su vida.

Niño con reloj. Comacchio, Italia. 1955

"En 1952, me inscribí en la universidad para estudiar derecho cuando la primera exposición itinerante de HenriCartier-Bresson llegó a Florencia", dice Branzi.

"Nunca me había interesado la fotografía, pero fue como ir al cine por primera vez. Las fotos que constituían el núcleo esencial del trabajo de Cartier-Bresson eran sobre la India, el funeral del Rey de Inglaterra...
Salí de la exposición y compré una cámara. Pensé que este era un nuevo idioma. En cierto sentido es como cuando se creó la computadora o el teléfono móvil; esta nueva tecnología encendió una pasión en mí interior".

Viareggio, Italia. 1953

Scanno, Italia. 1954

Pascua en Tricarico, Italia. 1954

Cuentacuentos. Tricarico, Italia. 

Centro de exposiciones de Milán, pabellón Montecatini, 1958.

Metro de Milán

Como pionero del fotoperiodismo italiano, Piergiorgio Branzi, captó un momento crucial en la historia europea tras el final de la Segunda Guerra Mundial.

 Después de ver algunas fotografías del Tíbet del famoso etnógrafo Fosco Maraini, Branzi estaba intrigado sobre el estado de su propio país, que nunca había podido recorrer debido a la guerra.

En 1955, convenció al hermano de su futura esposa, que era entusiasta de la motocicleta, de viajar con él por el sur de Italia en una MotoGuzzi500 para ver cómo había transformado la Segunda Guerra Mundial esta sociedad agraria.

Realizan un largo viaje por las regiones de Abruzzo, Molise, Puglia, Basilicata, Calabria y Campania. También viajan por zonas de la región véneta.

Nápoles, Italia. 1959

Nápoles, Italia. 1953

Nápoles, Italia.

Callejón de Nápoles, Italia. 1958

Nápoles, Italia.

Vicolo de Donati. Florencia, Italia. 1955

Retrato del fotógrafo Alfredo Camisa.

A continuación realizó viajes a Grecia y España, donde se inspiró en la literatura y en la idea de una sociedad que había sido tan similar a Italia, pero que no se vio arrastrada a la guerra.

Lo que consiguió en esos viajes fue un trabajo pionero, que mostró una sociedad que muy pocos habían visto. Eran imágenes en las que Branzi intentaba penetrar en esa sociedad, convirtiéndose en parte de su tejido en lugar de mantener la distancia.

Baile gitano en el Sacromonte. España. 1956

España. 1956

Colaboró con la experiencia editorial de Il Mondo de Mario Pannunzio, retratando con sus fotografías el nacimiento de la sociedad de masas, la nueva burguesía de posguerra y el gradual proceso hacia una sociedad consumista.

En Italia, a diferencia de Francia o Estados Unidos, el fotoperiodismo todavía era relativamente nuevo, y había pocos medios para publicar su trabajo. Sin embargo, Branzi perseveró y se hizo ampliamente conocido en el extranjero.

Y más tarde, incluso conoció a su inspirador original, Cartier-Bresson, tras tomar un tren a París y llamar a las puertas de las oficinas de Magnum. Allí, fue recibido por el propio maestro, quien se tomó tiempo para mirar el trabajo del joven fotógrafo y darle aliento y consejos.

Gimnasio en la Universidad Estatal Lomonosov. Moscú.

Moscú.

A finales de los años cincuenta, después de haber abandonado los estudios de Derecho, se centró más en el periodismo escrito abandonando progresivamente la fotografía.

A principios de los sesenta fue contratado por la RAI y en 1962, el director del Telegiornale lo envió como corresponsal a Moscú.
En 1966 deja Moscú para acudir de corresponsal a París y dos años después retorna a Italia como presentador del Telegiornale en Roma, realizando trabajos de investigación y documentales en Europa, Asia y África.

Arena bajo la nieve. 1954

Muro negro. 1954

Dibujos en el muro.

Fue director de la delegación de la RAI en Florencia durante las décadas de los setenta y ochenta, volviendo a la fotografía a mediados de los años noventa.

Se realizan con gran éxito numerosas exposiciones de su obra tanto en galerías privadas como en museos e instituciones públicas.

Falleció en Campagnano di Roma el día 27 de agosto de 2022.

Autorretrato.

 

Fuentes:
- Wikipedia
- Cultura inquieta

Hoy, 13 de septiembre, se cumplen 100 años del nacimiento en París de uno de mis fotógrafos preferidos: Édouard Boubat (1923-1999), uno de los principales representantes de la fotografía humanista francesa junto a nombres como Brassaï, Doisneau, Izis,…

Su primera fotografía, La niña de las hojas muertas, recibió el Premio Kodak en 1947.

1945-1949: el período Lella. 

Con su primera cámara, una Rolleicord de formato 6×6, Boubat realizó sus primeras fotografías entre ellas Lella, a la que conoció en el periodo de la Liberación y con quien convivió desde mayo de 1945 a finales de 1949, ella será su mayor tema y modelo en esos años.

La revista Cámara publicó una foto suya por primera vez en 1950, año en que realizó El árbol y la gallina, una de las fotografías emblemáticas de su obra. Más tarde empezó a publicar en diversas revistas.

Lella, Bretaña, 1947

El árbol y la gallina, 1950.

1951-1969: reportero-fotógrafo de la revista Réalités.

De 1949 a 1950, conoció a los fotógrafos Brassaï , RobertFrank y, Henri Cartier-Bresson y realizó sus primeros viajes a Italia y España además de publicar fotografías en la prestigiosa revista estadounidense US Camera.

En 1951 conoció a Picasso , quien comentó sus primeras imágenes. Robert Delpire (que acababa de crear la revista Neuf ) le invitó a exponer en la galería La Hune, en París, en compañía de Brassaï, Doisneau , Facchetti e Izis , una exposición en la que conoció a Albert Edouard "Bertie" Gilou, director artístico fundador de la revista Savoir des Arts y director artístico de la revista Réalités .

Después de un primer reportaje titulado Los artesanos de París (1951) y luego un segundo sobre La peregrinación a Santiago de Compostela (1952), se convirtió en colaborador permanente de Réalités.
En 1955 también participó en la exposición La familia del hombre en Nueva York.

1970-1999: periodo freelance y Agencia Rapho.

En 1970, tras un viaje a Irán, se incorporó a la agencia Top/Rapho fundada por RaymondGrosset. Al mismo tiempo, siguió una carrera independiente que lo llevó a Canadá, Nepal, India, Japón, Rumania, Bodgaya para los festivales tibetanos, Perú, Kenia, Brasil,…

En 1971, fue invitado de honor a los Encuentros Internacionales de Fotografía de Arles en los que le dedicaron una velada de proyección titulada “Édouard Boubat et Lucien Clergue” presentada por Michel Tournier. Tres años más tarde conoció a Marguerite Duras, con quien colaboró ​​en la película India Song. En 1978 viajó a México y conoció al fotógrafo Manuel Álvarez Bravo, a quien retrató.

En 1985, la editorial Nouvelles Images comenzó a publicar sus fotografías en diferentes formatos: postales, carteles, marcapáginas, etc.
En 1995, fue invitado de honor en el crucero fotográfico al Caribe junto a Sebastião Salgado.
Siempre interesado por las artes de calle, su último reportaje se centra en el circo Romanès de París.

Wayne Forest Miller nació en Chicago, Illinois un 19 de septiembre de 1918. Sus padres, un médico y una enfermera, le regalaron una cámara fotográfica como regalo de graduación de la escuela secundaria que marcaría el principio de su afición.

Se matriculó en la Universidad de Illinois Urbana-Champaign estudiando Banca mientras también trabajaba como fotógrafo. De 1941 a 1942 estudió en el Art Center School de Los Ángeles.

Miller sirvió como teniente en la Marina de los EEUU, donde fue asignado a la Unidad Fotográfica de Aviación Naval de la Segunda Guerra Mundial de Edward Steichen.
Fue uno de los primeros fotógrafos occidentales en documentar la destrucción de Hiroshima.

Después de la guerra se estableció en Chicago. Ganó dos becas Guggenheim consecutivas con las que trabajó en The Way of Life of the Northern Negro.
Estas imágenes fueron publicadas en su libro Chicago's South Side, 1946-1948. El proyecto documentó la migración de afroamericanos hacia el norte en tiempos de guerra, específicamente observando a la comunidad negra en el lado sur de Chicago e intentando cubrir las emociones de la vida diaria.
Las personas representadas son en su mayoría gente corriente, pero aparecen algunas celebridades, como Lena Horne, Ella Fitzgerald, Duke Ellington y Paul Robeson.

Duke Ellington, compositor y pianista

Trabajó como docente en el Instituto de Diseño de Chicago antes de trasladarse con su familia a Orinda, California en 1953.
Más tarde trabajó como autónomo para Life y junto a su esposa Joan  también colaboró con Edward Steichen como comisario asociado de la exposición The Family of Man y del libro adjunto que se inauguró en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York en 1955.
La exposición viajó por todo el mundo y fue vista por más de 9 millones de visitantes.

Miller fue contratado por Life como fotógrafo fijo al tiempo que desempeñó el cargo de presidente de la Agencia Magnum Photos de 1962 a 1966.
También fue miembro destacado de la Sociedad Estadounidense de Fotógrafos de Revistas de la que fue nombrado presidente en 1954.
En el año 2000 recibió la Medalla de Honor de Missouri por Servicio Distinguido en Periodismo concedida por la Universidad de Missouri, Columbia. 

En 1970, Miller se unió a la Corporación de Radiodifusión Pública como director ejecutivo del Centro Ambiental de Radiodifusión Pública.
Después de retirarse de la fotografía en 1975, fue cofundador de la organización Forest Landowners ofCalifornia y trabajó para proteger los bosques de California, en particular luchando contra las leyes fiscales que fomentaban la tala de secuoyas.

Falleció el 22 de mayo de 2013 en su casa de Orinda, California, a la edad de 94 años. 

 Un fotógrafo olvidado y no suficientemente reconocido en su época que fue redescubierto y valorado años después de su muerte.
No es la primera vez que aparece una foto de Seidenstücker en este blog. Ya presenté una fotografía suya en el ya lejano 2009. Ver aquí.

Friedrich nació un 26 de septiembre de 1882 en Unna, Alemania.
A los 13 años construyó su primera cámara con el objetivo de una linterna mágica y, como él mismo escribía, hacía "bromas divertidas". 
Seidenstücker estudió inicialmente ingeniería mecánica en Hagen entre 1901 y 1903.
En 1904 continúa sus estudios en la Real Universidad Técnica de Charlottenburg (Berlín), aunque los abandona para dibujar animales delante de recintos y jaulas.
La fotografía sigue siendo un hobby y una herramienta para un sueño más grande: Seidenstücker quiere ser escultor y se matricula en la Universidad de Bellas Artes con el escultor de animales August Gaul . No completa sus estudios hasta 1923, interrumpidos por la Primera Guerra Mundial.

Hoy cumple 74 años Anna Lou «Annie» Leibovitz nacida en Waterbury, Connecticut, E.E.U.U.
Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que este fuera asesinado en 1980.

Actualmente es la fotógrafa mejor pagada del mundo, conocida principalmente por sus retratos a celebridades de todo tipo y que ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.
Entre otros galardones, se le concedió en 2013 el Premio​ Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades y en 2005, la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestros tiempos.

Gira de The Rolling Stones

Ruinas de Sarajevo

Sarajevo

Annie es la tercera hija del matrimonio compuesto por Samuel Leibovitz, un teniente coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit, una instructora de danza contemporánea.
En la secundaria Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas; comenzó a escribir y a tocar música e ingresó en el Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte.
Su interés por la fotografía surgió en un una base aérea de Filipinas donde su padre fue destinado durante la guerra de Vietnam.
Durante varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969.

The Beatles

Bruce Springsteen

De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco, trabajando poco después con el fotógrafo Ralph Gibson.
En ese periodo empezó a trabajar como fotógrafa autónoma en la entonces emergente revista Rolling Stone. El editor, Jann Wenner, quedó impresionado con su portafolio y le permitió ser parte del personal de su publicación.
Dos años más tarde, Leibovitz fue ascendida a fotógrafa jefe, cargo que mantuvo diez años y en el que realizó ciento cuarenta y dos cubiertas.
En 1975 se le encargó la tarea de documentar la gira que el grupo británico The Rolling Stones realizó por Estados Unidos y Canadá.
El 8 de diciembre de 1980, Annie acudió al departamento del músico John Lennon para fotografiarlo y aunque los editores no lo querían, finalmente también Yoko Ono apareció en la mítica fotografía.
Horas después de la sesión fotográfica, John fue asesinado por un admirador en la entrada de su edificio en Nueva York. 

Angelina Jolie

Louise Bourgeois

En 1983 Leibovitz fue contratada como retratista por la revista estadounidense Vanity Fair, llegando a recibir sueldos millonarios por su trabajo.
Desde 1995 Leibovitz tiene la misión de retratar a los actores y actrices que aparecen en The Hollywood Issue, una edición que Vanity Fair publica en marzo de cada año con retratos de los actores más destacados de Hollywood.
En 1986 fue invitada a realizar una serie de carteles con motivo de la Copa Mundial de Fútbol en México. Aquella fue la primera vez en la historia del torneo que a un fotógrafo se le encomendó esa misión.
En 1991 se convirtió en el segundo fotógrafo vivo —y la primera mujer— en exhibir su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. La muestra contó con más de doscientos retratos.
En 1993 comenzó a trabajar para la revista de modas Vogue y recibió un doctorado honorario por parte del Instituto de Arte de San Francisco​ donde ella había estudiado en su juventud.
En 1996, Leibovitz fue la fotógrafa oficial de los Juegos Olímpicos de Verano en Atlanta, Georgia. Una compilación de retratos en blanco y negro de atletas fue publicada en junio de ese año en el libro Olympic portraits.
Hasta la fecha ha realizado multitud de proyectos relacionados con el medio ambiente y con el mundo del cine.

Mark Zuckerberg y Priscilla Chan

Mijaíl Barýshnikov

Bruce Springsteen. Una fotografía tomada al azar en la sesión fotográfica del disco
Born in the U.S.A. y que acabó por convertirse en la portada del álbum. 1984

Yōko Ono acostada mientras su marido, John Lennon, la abraza. 1980

La actriz Demi Moore exhibiendo su embarazo de siete meses
para la portada de Vanity Fair. 1991

Michael Jackson en una de sus tantas poses icónicas para la revista Vanity Fair. 1988

Los actores Dan Aykroyd y John Belushi disfrazados como The Blues Brothers
con sus caras pintadas de azul.

Whoopi Goldberg sumergida en una bañera llena de leche.

La cantante Dolly Parton posando sonriente con Arnold Schwarzenegger
detrás sin mostrar su rostro.

El político ruso Mijaíl Gorbachov sentado dentro de un automóvil
con los restos del Muro de Berlín al fondo. 2007

La reina Isabel II del Reino Unido, mirando Londres en un salón
del Palacio de Buckingham. 2007

¡Feliz cumpleaños, Cristina!
Hoy cumple 74 años la primera persona de nacionalidad española que entró a formar parte de la agencia Magnum Photos.

Cristina García Rodero, todo un referente de la fotografía española de las últimas décadas.
Es la fotógrafa del folclore y los festivales tradicionales de la España del siglo XX. Uno de los máximos exponentes del documentalismo español.
Miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y primera mujer nombrada Doctora Honoris Causa por la Universidad de Castilla-La Mancha.

«Aquello me interesaba. Recuerdo mi primer reportaje, en Puertollano. Se llamaba ‘El día del voto’. Yo creo que empecé a fijarme en la fotografía por aquellas revistas de moda francesas, como Marie Claire, Elle… que llegaban al Puertollano de los años 50, donde no había nada. Me llamaba mucho la atención la hermosura de aquellas imágenes», recuerda Cristina.

A los 19 años (1968) empezó a estudiar Bellas Artes en la Universidad Complutense. El famoso pintor Antonio López fue su primer profesor.
Al año siguiente se compró una réflex y descubrió el laboratorio. Un compañero del colegio mayor le animaba tanto a ella como a su hermana (también pintora y fotógrafa) a presentarse a concursos y con los pequeños premios que ganaban, compraban objetivos.
En 1973 consiguió la beca que ofrecía la Fundación March, para reflejar en fotos las fiestas de los pueblos de España. Ganar aquella beca supuso empezar a trabajar en su gran proyecto que le ha dado fama internacional: ‘España Oculta’.

«En 1981, con una beca del Ministerio de Cultura, me pude comprar medio coche, un Simca 1200 blanco. Me compré ese modelo porque podía abatir el asiento y poner un colchón de gomaespuma para dormir en él.
No es fácil encontrar en zonas muy pobres hotel o pensión para dormir. Con él, pude llegar a hacer 113 reportajes en un año, antes hacía 50 por año. Tenía el sueño de hacer mi libro. No era un libro de encargo. Era la obra que yo tenía que tener, igual que un pintor tiene que tener su obra, o un escritor, libros.
Estaba con una beca, sola y no en muy buenas condiciones. Quería dar una visión de España, luego esa visión se concentró en las fiestas.
Para el libro he llegado a tener 130.000 fotogramas (no fotos) en blanco y negro y algo más de 100.000 diapositivas en color. Tenía que elegir una foto entre mil. Decir sí a una y no a 999 fotografías, era tremendo. Me acordaba de la gente, de la situación tan bonita en que se había producido tal o cual fotografía y me dolía el corazón».

En algunos pueblos era la primera fotógrafa en llegar. Eso, unido a que era mujer y menuda, le ayudó a que los fotografiados confiaran en ella y se dejaran fotografiar.

«Es la buena relación que se crea con la gente lo que me posibilita hacer las fotografías. Si yo no tuviera la relación que tengo con la gente, el juego que se crea, la complacencia, no podría hacer las fotografías».

Pero no todo fue fácil.
Era una época en la que, por supuesto, no había Internet. Obtenía la información a cuentagotas. Llamando a los párrocos de las iglesias, a las tabernas… y como última opción a los cuarteles de la Guardia Civil de las localidades que se disponía a visitar, para saber las fechas, horas y lugares exactos en los que se debía acudir cámara en mano.
Y allí que se presentaba como “forastera”, en los pueblos de una España en la que una mujer llegara a un bar de un pueblo preguntando por las fiestas suponía ser tachada de chica fácil, como suele contar.
Se las ingeniaba para dormir en casas de vecinos, pues en muchos pueblos no había siquiera hostales. Y se metía en el epicentro de las fiestas, procesiones y corridas de toros.

Dos años después de lograr la beca, en 1974, empezó a dar clases de dibujo en la escuela de Artes y oficios de Madrid, en sustitución de su profesor.
Mientras, estudiaba fotografía por las noches, pero esto no le permitía acceder a las ampliadoras y ella misma revelaba sus propias fotos.

En 1984 obtuvo la cátedra de Fotografía.
En 1985 recibió el Premio Planeta de Fotografía, al conjunto de su obra.
En 1989, a sus 40 años, publicó su libro más famoso, en el que llevaba 15 años trabajando: ‘España Oculta’, por el cual obtuvo numerosos premios, entre ellos el premio Eugene Smith. En él retrata “un país que salía de 40 años de oscuridad y que cambiaba muy muy rápido.

En 1990, fue elegida por la revista Life como uno de los 121 mejores fotógrafos del mundo.
En 1991, expuso en el Internacional Center of Photography de Nueva York, junto a Cristóbal Hara, Fernando Herraez, Koldo Chamorro y Ramón Zabalza. La exposición se llamaba ‘La España que desaparece’ y reflejaba las tradiciones enraizadas en el pasado a través del trabajo de quince fotógrafos que viajaron por toda España para fotografiar rituales y costumbres ancestrales.

Fuente:
Profesor de fotografía. Gustavo Bravo.

Hoy, 19 de octubre, nació el fotógrafo noruego Johan Brun, muy conocido en los países nórdicos, sobre todo por sus fotos deportivas para prensa.
Trabajó para el periódico noruego Dagbladet desde 1948 hasta su jubilación en 1989.

Oslo, 1963

Miss Noruega, 1955

Johan nació en una granja en Uvdal, Numedal el 19 de octubre de 1922. El abuelo, Johan Brun, era médico, dentista e investigador y estaba interesado en la fotografía, por lo que se había comprado una cámara de formato medio y tenía los medios para revelar fotografías.
Su padre, Henrik Brun, era capitán del ejército y bastante creativo: caminó desde Trondheim a Oslo, equipado con una camiseta sanitaria y un trineo de esquí, ambas cosas inventadas por él.

Creció como un granjero aunque tanto el padre como el abuelo pensaban en otras cosas además de la agricultura. Tenían a la familia real como clientes y, aunque no eran ricos, estaban en muy buena situación económica.
Johan heredó el espíritu de su abuelo y de su padre, de forma que todo objeto mecánico que se compraba lo modificaba y mejoraba, ya fuese un coche o una cámara fotográfica.

Asistió a una escuela secundaria privada en Rødberg entre 1938 y 1940 y asistió a una escuela agrícola en 1942-43. En 1946 se convirtió en asistente del escultor Ørnulf Bast.
Después de la etapa de la granja familiar, comenzó a trabajar como fotógrafo a la edad de 26 años en Dagbladet, uno de los dos periódicos más importantes de Noruega en aquella época.

Con películas lentas y equipos poco desarrollados, ser fotógrafo era exigente y, sobre todo, para un fotógrafo de deportes. Pero Johan siempre supo qué hacer y construyó sus propios aparatos auxiliares o adaptó los equipos existentes. "Era un inventor en su campo", dice el periodista Halvor Elvik, colega durante mucho tiempo en Dagbladet.

Frognerparken, Oslo, 1963

Se había colocado un flash sobre un soporte improvisado, algo poco común en aquella época, y para disparar el flash a cierta distancia tenía que utilizar un cable largo que no siempre funcionaba bien.
A pesar de esta dramática experiencia, Johan siguió fabricando y mejorando los equipos fotográficos para usar tanto en el exterior como para el cuarto de revelado resolviendo muchos pequeños problemas.

Lo más destacable es que siempre compartió generosamente sus avances con el resto de fotógrafos.
De hecho su colega Elvik destaca lo maravilloso que fue trabajar con Johan:“Todos los que trabajaron con él le tenían cariño. Fue un colega fantástico, un súper fotógrafo y profesional. Tenía cualidades humanas que lo hacían agradable y un hombre muy sabio”.

Johan no sólo trabajó con la fotografía. Se involucró también en la maquetación del periódico, en cómo debían presentarse las fotografías. También experimentó con la fotografía de tal manera que quedara de manera óptima en la impresión de periódico.

Johan Brun se caracterizó por tener suerte, por estar siempre en el lugar indicado en el momento indicado, aunque es cierto que la suerte suele venir acompañada de talento, trabajo duro y buena preparación.
Durante los Juegos Olímpicos de Oslo en 1952, debía fotografiar el slalom gigante masculino. La esperanza del oro de Noruega, Stein Eriksen, correría justo antes de que Dagbladet fuera impreso y descubrieron que era teóricamente posible fotografiarlo usando el nuevo invento del teleobjetivo, tener un cuarto oscuro al pie de la colina y enviar la imagen a los editores.
Johan logró capturar el momento con una única foto, se trasladó rápidamente colina abajo donde el asistente estaba listo en el cuarto oscuro; siete minutos más tarde la foto estaba terminada y enviada al diario. Esta foto no solo se convirtió en una de las más famosas que tomó Johan, sino que probablemente también estableció un nuevo récord en el tiempo que se necesitaba desde que se toma una foto en el lugar hasta que los editores la tienen lista para el periódico del día.
Después de la carrera, Stein Eriksen entabló conversación con la ganadora de oro, Andrea Mead Lawrence, y Johan los fotografió. Al fondo podemos ver a otro fotógrafo con un cigarrillo en la comisura de la boca. Una vez revelada la imagen, Johan descubrió que se trataba nada menos que de Robert Capa, que estaba allí para cubrir a Lawrence y que esperaba su turno mientras Johan terminaba.

En 1954 tuvo la oportunidad de acompañar a Richard Pape en un viaje por carretera a bordo de un Austin A90 Westminster desde el Cabo Norte hasta el Cabo de Buena Esperanza. Esto también fue realmente una coincidencia, porque el asistente enfermó y Pape se puso en contacto con el periódico para averiguar si había alguien que supiera algo sobre automóviles y quisiera unirse. 

Johan fue enviado a otras misiones además de los deportes. En junio de 1964, fue fotógrafo en el concierto inaugural de la primera gira mundial de los Beatles en Copenhague y también estuvo en las ceremonias del Premio Nobel. 

Andrea M. Lawrence con Stein Eriksen. Al fondo, Robert Capa. 1952

Cabo Norte, 1954

The Beatles en Copenhague, 1964

Durante los Juegos Olímpicos de Squaw Valley en 1960, fue el único fotógrafo de prensa escandinavo. 
Más tarde tuvo una breve licencia de Dagbladet y trabajó para Billedjournalen. 

Brun fue uno de los primeros en recurrir a la AFP (Plan de Pensiones de las empresas noruegas) en los años 80 y, por tanto, dejó de trabajar como fotógrafo en Dagbladet. Esto no significó que dejara de ser fotógrafo ya que continuó con proyectos apasionantes. Entre otros trabajos, fue jefe de prensa de los Juegos Olímpicos de Lillehammer donde se le encomendó la tarea de averiguar dónde debían situarse los fotógrafos,

Brun realizó varias exposiciones y publicó varios libros. En 2003 publicó un libro por encargo de la Administración de Carreteras de Noruega . Ya jubilado se dedicó a la fotografía de paisajes. También participó en el registro de fotografías antiguas en Buskerud .

Pesca del salmón, 1958

El trabajo que realizó Johan Brun es ya un hito en la historia de la fotografía noruega, la historia de la fotografía de prensa y la historia de la fotografía deportiva. 

Brun vivía en Lier, a 45 kilómetros de Oslo y falleció el 27 de abril de 2021 con 98 años de edad.

Un 24 de octubre nació hace ochenta y cuatro años en Baj Baj, Bengala, el padre fundador de la fotografía moderna de Bangladesh: Rashid Talukder.
Fue conocido por capturar algunas de las imágenes definitorias de las atrocidades cometidas durante el llamado Genocidio de Bangladesh de 1971 y publicadas veinte años después y que por su elevada crudeza no se reproducirán en este blog.

La policía huye de una manifestación en la Facultad de Medicina de Daca. 1965

Personas pro-liberación bloquean el ferrocarril en  Tejgaon, Daca. 1969

Estudiantes de la Universidad de Daca entrenan para la Guerra de Liberación. 1970

Comenzó su carrera en 1962, como fotógrafo de prensa en el Daily Sangbad en Daca. Después de trabajar allí durante algunos años, se unió al The Daily Ittefaq, donde trabajó durante 29 años como fotoperiodista y durante su carrera fotografió en particular la Guerra de Liberación de Bangladesh de 1971 contra Pakistán y la fotografía del Jeque Mujibur Rahman entregando su histórico discurso del 7 de marzo de 1971.

Manifestantes queman un autobús gubernamental en Daca. 1971

Mujeres por la independencia de Bangladesh. Daca. 1971

Refugiados huyen hacia la India a través del distrito de Comilla. 1971

Movimientos de tropas en Bangladesh. 1971

Guerrilleros de Kaderia Bahini atacan a un colaborador paquistaní. 1971

Fue uno de los principales cronistas de la lucha por la independencia, fotografiando sus orígenes en el movimiento lingüístico de la década de 1950 y continuando después de la guerra.
“Peleé la batalla no con armas, sino con mis manos. Mi cámara fue mi arma preferida” comentaba Rashid.

Realizó imágenes dramáticas pero no las publicó. No pudo. Talukder sabía que, a diferencia de los fotógrafos extranjeros, él no abandonaría Bangladesh y los hombres detrás de las ejecuciones se encontraban entre los más poderosos del país.
Guardó las imágenes para sí durante más de 20 años.
“La publicación de las fotografías por parte de Rashid habría sido equivalente a firmar su propia sentencia de muerte", dijo Shahidul Alam, fundador de la Agencia Drik Picture en Daca.
En 1993, cuando ya no existía un peligro extremo al publicar las imágenes en Bangladesh, Alam convenció a Talukder para que fuese presentadas en The DailyStar junto con un artículo del propio Alam. Posteriormente, se exhibieron públicamente en Daca en el año 2000.

Celebrando la independencia de Bangladesh.

Mujibur Rahman. 1972

Población rural pescando en el distrito de Gazipur. 1980

Rashid Talukder con Mujibur Rahman

Talukder murió el 25 de octubre de 2011 en Dhaka, tras una breve enfermedad a la edad de 72 años.
Dijo Rashid: “La fotografía es un lenguaje internacional…si no amas la fotografía, ella no te amará”.

El 3 de noviembre de 1903 nació el  fotógrafo y fotoperiodista estadounidense Walker Evans, conocido principalmente por sus imágenes cotidianas de la Gran depresión de 1930.

Un fotógrafo que me gusta especialmente, por lo que en este blog ya han aparecido fotografías suyas aquí y aquí.

Evans nació en Saint Louis (Missouri), en una familia de clase media: su padre era empleado en una agencia publicitaria. Pasó su juventud en varias ciudades del este de Estados Unidos, como Toledo, Chicago y Nueva York.
Tras graduarse en literatura en la Phillips Academy en Andover (Massachusets), estudió literatura francesa durante un año en el Williams College entre 1922 y 1923.
Más tarde abandonó los estudios pero continuó su interés por la literatura de tal forma que su primera ambición fue ser escritor.
Durante un tiempo trabajó como auxiliar nocturno en la sala de mapas de la biblioteca pública de la ciudad de Nueva York ​ hasta que su inquietud literaria le llevó a soñar con el peregrinaje obligado de todo intelectual en la década de 1920: vivir en París.
En 1926 se inscribió en La Sorbona para proseguir con sus estudios en materia de literatura e idiomas con el propósito de convertirse en escritor. ​

En 1928, mientras vivía en Ossining, Nueva York, ​ se interesó por el mundo de la fotografía como medio para captar la realidad cotidiana por sus similitudes con la poesía. Se inspiraba en fotógrafos como EugèneAtget y August Sander.
Al principio utilizaba una cámara de 6x12 que sustituyó al poco tiempo por una de 15x20 con la que recorrió algunas ciudades de Estados Unidos junto al intelectual y mecenas Lincoln Kirstein; el novelista John Cheever y el poeta Hart Crane también fueron parte del grupo de artistas y escritores con quienes convivió en Nueva York.
De 1927 a 1929, trabajó como oficinista en una firma comisionista de bolsa en Wall Street. ​

En 1930, publicó tres fotografías (Puente de Brooklyn) en el libro de poesía de su amigo Hart Crane titulado El puente y un año después fue el propio Kirstein quien le encargó una serie de fotografías de casas victorianas en el área de Boston.

Evans pasó los meses de mayo y junio de 1933 en Cuba, donde llevó a cabo una serie de fotografías que sirvieron para ilustrar la obra El crimen de Cuba, un libro del periodista Carleton Beals en el que se denunciaba la situación de la isla durante el mandato de Gerardo Machado y Morales.
Durante su tiempo en Cuba se reunía a beber cada noche con ErnestHemingway, con quien formó tal amistad que llegó a prestarle dinero para alargar su estancia unas semanas. A través de sus fotografías documentó la vida callejera, la presencia policial, limosneros y estibadores en condiciones deplorables y escenas costeras.
También ayudó a Hemingway a adquirir fotografías de archivos periodísticos que documentaban la violencia política que después describirá en su libro, Tener y no tener (1937). ​

Durante el año 1935, a mediados de la Gran Depresión, Evans realizó trabajos fotográficos para las nuevas agencias gubernamentales en Estados Unidos. Comenzó con un proyecto de dos meses en los estados de Virginia Occidental y Pensilvania para la Resettlement Administration(RA), la agencia para la reubicación de personas sin vivienda en comunidades planificadas por el gobierno y continuó trabajando para la Farm SecurityAdministration (FSA), la agencia sucesora de la RA y que tenía como objetivo combatir la pobreza en las zonas rurales del país, especialmente en los estados del sur.

En el verano de 1936, aún trabajando para la agencia, él y el escritor James Agee fueron asignados al Condado de Hale en Alabama para realizar un proyecto, que no llegó a publicarse, para la revista Fortune.
Pero en 1941, tanto las fotografías de Evans como el texto de Agee detallando la estancia que compartieron con tres familias blancas del sur de Alabama durante la Gran Depresión, se publicaron en el libro Let Us Now Praise Famous Men (Elogiemos ahora a hombres famosos).
Su relato detallado de estas tres familias de agricultores pinta un retrato profundamente conmovedor de la pobreza rural. No obstante, la crítica Janet Malcolm señala que existía una contradicción, una especie de angustiosa disonancia entre la prosa de Agee y la belleza tranquila y magistral de las fotografías de los aparceros de Evans.
Así, las fotografías de Evans de las tres familias encabezadas por Bud Fields, Floyd Burroughs y Frank Tingle, se convirtieron en íconos de la miseria y la pobreza de la era de la Depresión.

Evans continuó trabajando para la agencia gubernamental FSA hasta 1938, año en que se presentó la exposición Walker Evans: American Photographs en el Museum of Modern Art (MoMA), la primera exposición monográfica sobre fotos arquitectónicas y la primera dedicada al trabajo de un solo fotógrafo.
Ese mismo año, Evans tomó sus primeras fotografías en el metro de Nueva York con una cámara que ocultaba en su abrigo. Se publicaron hasta 1966 en su libro, Many are Called (Muchos son llamados).
En los años 1938 y 1939, Evans fue mentor de la reconocida fotógrafa HelenLevitt.

Evans, como muchos otros fotógrafos, incluyendo a Henri Cartier-Bresson, raramente pasaba tiempo en el cuarto oscuro revelando fotografías de sus negativos, en realidad solo supervisaba el proceso en la mayoría de los casos, a veces anotando indicaciones en los mismos negativos.
En 1940, obtuvo una beca de la Fundación John Simon Guggenheim.

Fue sin duda alguna un gran lector y escritor. En 1945, se incorporó como escritor en la revista Time y poco tiempo después, se convirtió en editor para la revista Fortune permaneciendo allí hasta 1965.
Entre 1945 y 1965, como editor de Fortune, llevó a cabo ensayos fotográficos sobre diferentes temas; entre ellos, las fotografías ya citadas sobre el metro de Nueva York, ciudades fantasmas del oeste americano e iglesias antiguas.
Desde 1965 hasta su muerte ejerció como profesor de fotografía en la escuela de arte de la Universidad de Yale, donde logró obtener una cátedra.
Uno de sus últimos proyectos, publicado en 1968, fue una colección de fotos en blanco y negro de uno de los bancos privados más antiguos de EE.UU., el Brown Brothers Harriman & Co.

La primera retrospectiva definitiva de su obra se presentó en el MoMA en Nueva York a principios de 1971.
Tal como expresa el comunicado de prensa emitido por el museo: "Individualmente sus fotografías evocan una particularidad indiscutible de un cierto lugar, pero de manera colectiva evocan el sentido de lo que son los Estados Unidos".

Evans murió en su casa de New Haven, Connecticut el 10 de abril de 1975 a causa de una hemorragia cerebral. ​

Su obra fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte en 1994, ​ cuando los propietarios de su obra entregaron sus participaciones. Todos los derechos corresponden, por lo tanto, al MET excepto las fotos que realizó para la Resettlement Administration y la Farm Security Administration, unos 1000 negativos, que conserva la Biblioteca del Congreso.
En el año 2000, Evans fue reconocido como parte del St. Louis Walk of Fame (El paseo de la fama de San Luis).